http://noticias.es.msn.com/blog/cultura/portada.aspxEn el blog "Entrada libre" defendemos la cultura libre y ciritcamos y recomendamos los eventos más importantes de cine, series y música.http://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=bc9b32e8-0531-4387-9864-344e599fb1daMon, 20 May 2013 10:49:37 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675bc9b32e8-0531-4387-9864-344e599fb1daBlogArticleD859B55754AB1683012013-05-20T17:49:37.293El 25 de mayo (sábado), Los Planetas tocarán íntegro en el Primavera Sound su tercer disco: ‘Una semana en el motor de un autobús’ (1998). Ese mismo día, el Borussia Dortmund y el Bayern de Munich lucharán en Wembley por ser el mejor equipo del continente. El horario que les ha puesto la organización (01:00 h.) impedirá que el partido coincida justo en el momento que suene ‘La Copa de Europa’, la canción que cerraba el disco. Seguro que si el Barça hubiera pasado a la final y la hubiera ganado, J. le habría dedicado el tema al equipo de sus amores.   De este modo, el cantante de los granadinos no tendrá que preocuparse por el resultado, aunque tendrá otro ‘match’. Reencontrarse con algunos temas que llevan años apartados de su repertorio y formaban parte de un disco que tanto los fans como los miembros del propio grupo consideran vital en la trayectoria ‘planetera’. En 1998, y tras ‘Super 8’ y ‘Pop’, Los Planetas se encontraban en ese punto en el que comenzaban a ser grandes para la etiqueta de indies, pero su propuesta seguía siendo tan arriesgada que las puertas del gran público se mantenían cerradas.   Fue una muestra de personalidad grabar una obra como ‘Una semana en el motor de un autobús’. Cierto que incluyó ciertas concesiones, como que la voz de J. no apareciera multiplicada en varias capas y, por lo tanto, las letras resultaran más fáciles de asimilar. Pero en esencia mantuvieron el espíritu que les había llevado a comandar (sin pedirlo) la revolución indie acontecida en la segunda parte de esa década final del siglo.   Pero también buscaron dar un paso adelante, no repetir el esquema de sus dos primeros trabajos, que ya habían sido un éxito aunque fuese minoritario. Por eso hicieron las maletas y se fueron a Nueva York para registrar el disco a las órdenes de Kurt Ralske. El productor, alma de Ultra Vivid Scene, consiguió elevar la propuesta de Los Planetas por encima de sus tradicionales guitarras, pero sin que perdieran su identidad.   El disco arranca con ‘Segundo Premio’, himno de la banda, en la que la batería de Eric Jiménez marca el paso. El músico ya había colaborado en la grabación de algunos temas de ‘Pop’, pero con ‘Una semana en el motor…’ se incorporó de manera definitiva a la banda, siendo ya un elemento distintivo de la misma. ‘Segundo premio’ fue uno de lo singles del disco, junto a ‘Cumpleaños total’ y ‘La playa’. Tres temas que escuchados ahora (en el Primavera Club ensayaron con algunos) siguen sonando igual de potentes y adictivos. Una buena noticia de cara al día 25.   Pero el trabajo, que se acaba de reeditar incluyendo varias maquetas, también tiene momentos estelares como 'Desaparecer', 'Un mundo de gente incompleta', 'Ciencia ficción', 'Montañas de basura', 'Toxicosmos' o 'Línea 1'. La crítica aceptó la madurez de Los Planetas y acogió tan bien el álbum como lo hicieron sus fans, por cierto, una de las hinchadas más fieles de la música en nuestro país.   Lo mejor es que el disco sigue igual de vivo e intenso que en 1998. Por él parece que no ha pasado el tiempo. Por eso J. y los suyos han decidido sacarlo del cajón de los recuerdos. Así pasar ‘Una semana en el motor de un autobús’ volverá a ser una experiencia tan intensa como lo fue hace 15 años.   PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Palma Violets (‘Best of friends’)El 25 de mayo (sábado), Los Planetas tocarán íntegro en el Primavera Sound su tercer disco: ‘Una semana en el motor de un autobús’ (1998). Ese mismo día, el Borussia Dortmund y el Bayern de Munich lucharán en Wembley por ser el mejor equipo del continente. El horario que les ha puesto la organización (01:00 h.) impedirá que el partido coincida justo en el momento que suene ‘La Copa de Europa’, la canción que cerraba el disco. Seguro que si el Barça hubiera pasado a la final y la hubiera ganado, J. le habría dedicado el tema al equipo de sus amores.   De este modo, el cantante de los granadinos no tendrá que preocuparse por el resultado, aunque tendrá otro ‘match’. Reencontrarse con algunos temas que llevan años apartados de su repertorio y formaban parte de un disco que tanto los fans como los miembros del propio grupo consideran vital en la trayectoria ‘planetera’. En 1998, y tras ‘Super 8’ y ‘Pop’, Los Planetas se encontraban en ese punto en el que comenzaban a ser grandes para la etiqueta de indies, pero su propuesta seguía siendo tan arriesgada que las puertas del gran público se mantenían cerradas.   Fue una muestra de personalidad grabar una obra como ‘Una semana en el motor de un autobús’. Cierto que incluyó ciertas concesiones, como que la voz de J. no apareciera multiplicada en varias capas y, por lo tanto, las letras resultaran más fáciles de asimilar. Pero en esencia mantuvieron el espíritu que les había llevado a comandar (sin pedirlo) la revolución indie acontecida en la segunda parte de esa década final del siglo.   Pero también buscaron dar un paso adelante, no repetir el esquema de sus dos primeros trabajos, que ya habían sido un éxito aunque fuese minoritario. Por eso hicieron las maletas y se fueron a Nueva York para registrar el disco a las órdenes de Kurt Ralske. El productor, alma de Ultra Vivid Scene, consiguió elevar la propuesta de Los Planetas por encima de sus tradicionales guitarras, pero sin que perdieran su identidad.   El disco arranca con ‘Segundo Premio’, himno de la banda, en la que la batería de Eric Jiménez marca el paso. El músico ya había colaborado en la grabación de algunos temas de ‘Pop’, pero con ‘Una semana en el motor…’ se incorporó de manera definitiva a la banda, siendo ya un elemento distintivo de la misma. ‘Segundo premio’ fue uno de lo singles del disco, junto a ‘Cumpleaños total’ y ‘La playa’. Tres temas que escuchados ahora (en el Primavera Club ensayaron con algunos) siguen sonando igual de potentes y adictivos. Una buena noticia de cara al día 25.   Pero el trabajo, que se acaba de reeditar incluyendo varias maquetas, también tiene momentos estelares como 'Desaparecer', 'Un mundo de gente incompleta', 'Ciencia ficción', 'Montañas de basura', 'Toxicosmos' o 'Línea 1'. La crítica aceptó la madurez de Los Planetas y acogió tan bien el álbum como lo hicieron sus fans, por cierto, una de las hinchadas más fieles de la música en nuestro país.   Lo mejor es que el disco sigue igual de vivo e intenso que en 1998. Por él parece que no ha pasado el tiempo. Por eso J. y los suyos han decidido sacarlo del cajón de los recuerdos. Así pasar ‘Una semana en el motor de un autobús’ volverá a ser una experiencia tan intensa como lo fue hace 15 años.   PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Palma Violets (‘Best of friends’)BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=05d643ee-e319-4ced-a3ed-8355f68eeaaaThu, 16 May 2013 11:05:37 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c67505d643ee-e319-4ced-a3ed-8355f68eeaaaBlogArticleD859B55754AB1683012013-05-16T18:05:37.167A Baz Luhrman le gusta la fiesta. Al menos, le gustan los elementos que rodean a un buen fiestón. Por eso convierte la primera hora y media de ‘El gran Gatsby’ en una especie de gran festival de música verano, con sus actuaciones musicales, sus desfases y sus inevitables ‘after’ o fiestas que comienzan cuando el sol ya está bien arriba. Cualquiera que haya probado este tiempo extra de la juerga nocturna sabe que la música (el 'musicón', como se dice) es un elemento fundamental. Por eso, Luhrman ha confeccionado una estruendosa banda sonora, con la complicidad de Jay Z en el papel de productor, que incluye electrónica, hip hop, rhythm and blues de discoteca y algunos toques de nuevo soul, para ilustrar los inevitables momentos de ‘bajona’. Ahí están Beyoncé y André 3.000 (versionando a Amy Winehouse), Lana del Rey, Florence, Emeli Sandé (con la Bryan Ferry Orchestra), Fergie o will.i.am. Pero también popes de la música alternativa como Jack White o The XX, con una de sus lánguidas propuestas, sin duda una de las más estimulantes del score. Los que hayan visto ‘Romeo + Julieta’ o ‘Moulin Rouge’ sabrán de lo que se está hablando. Luhrman lo ha vuelto a hacer, ha ambientado de forma anacrónica una época histórica pasada con una banda sonora contemporánea. Pero lo que en sus otras películas funcionaba (por momentos, brillaba) como un interesante ejercicio de estilo, aquí tiene la misma fuerza que una botella de champagne que lleva horas abiertas. Una de las cientos que se descorchan durante la película, por cierto. Los años del jazz (década de los 20), los momentos previos al Crack, el universo contradictorio de F. Scott Fitzerald, el amor imposible y la melancólica y turbia presencia de una personaje como Gatsby, interpretado por Leonardo DiCaprio, chocan con la visión postmoderna que tiene el director australiano. Es de agradecer que intentara buscar las vueltas a un texto que ha sido llevado al cine en varias ocasiones, y que huyera de la sombra de la adaptación de los setenta que dirigió Jack Clayton y protagonizaron Robert Redford y Mia Farrow. Pero de ahí a convertir la película en un derroche visual a ritmo de vídeoclip o de publicidad hay un trecho. Y a Luhrman, en esta ocasión se le ha ido la mano. Tanto acelera el director, tantos momentos de climax musical propone, que cuando llega el momento de frenar se queda literalmente sin pista. Es decir, cuando tiene que plantear conflictos morales/sentimentales de altura (y el texto original posee abundantes momentos) el espectáculo ha acabado por aburrir. Eso sí, el citado Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire forman un atractivo trío protagonista, bien secundado por Joe Edgerton y Elizabeth Debicki. Esta vez no ha podido ser, y el experimento ha fracasado. Aunque la gracia está en intentarlo. Y al menos servirá para acercar la obra de Fitzgerald a aquellos espectadores más jóvenes interesados en quitar el envoltorio pop a esta historia. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: !!! (‘Slyd’)A Baz Luhrman le gusta la fiesta. Al menos, le gustan los elementos que rodean a un buen fiestón. Por eso convierte la primera hora y media de ‘El gran Gatsby’ en una especie de gran festival de música verano, con sus actuaciones musicales, sus desfases y sus inevitables ‘after’ o fiestas que comienzan cuando el sol ya está bien arriba. Cualquiera que haya probado este tiempo extra de la juerga nocturna sabe que la música (el 'musicón', como se dice) es un elemento fundamental. Por eso, Luhrman ha confeccionado una estruendosa banda sonora, con la complicidad de Jay Z en el papel de productor, que incluye electrónica, hip hop, rhythm and blues de discoteca y algunos toques de nuevo soul, para ilustrar los inevitables momentos de ‘bajona’. Ahí están Beyoncé y André 3.000 (versionando a Amy Winehouse), Lana del Rey, Florence, Emeli Sandé (con la Bryan Ferry Orchestra), Fergie o will.i.am. Pero también popes de la música alternativa como Jack White o The XX, con una de sus lánguidas propuestas, sin duda una de las más estimulantes del score. Los que hayan visto ‘Romeo + Julieta’ o ‘Moulin Rouge’ sabrán de lo que se está hablando. Luhrman lo ha vuelto a hacer, ha ambientado de forma anacrónica una época histórica pasada con una banda sonora contemporánea. Pero lo que en sus otras películas funcionaba (por momentos, brillaba) como un interesante ejercicio de estilo, aquí tiene la misma fuerza que una botella de champagne que lleva horas abiertas. Una de las cientos que se descorchan durante la película, por cierto. Los años del jazz (década de los 20), los momentos previos al Crack, el universo contradictorio de F. Scott Fitzerald, el amor imposible y la melancólica y turbia presencia de una personaje como Gatsby, interpretado por Leonardo DiCaprio, chocan con la visión postmoderna que tiene el director australiano. Es de agradecer que intentara buscar las vueltas a un texto que ha sido llevado al cine en varias ocasiones, y que huyera de la sombra de la adaptación de los setenta que dirigió Jack Clayton y protagonizaron Robert Redford y Mia Farrow. Pero de ahí a convertir la película en un derroche visual a ritmo de vídeoclip o de publicidad hay un trecho. Y a Luhrman, en esta ocasión se le ha ido la mano. Tanto acelera el director, tantos momentos de climax musical propone, que cuando llega el momento de frenar se queda literalmente sin pista. Es decir, cuando tiene que plantear conflictos morales/sentimentales de altura (y el texto original posee abundantes momentos) el espectáculo ha acabado por aburrir. Eso sí, el citado Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire forman un atractivo trío protagonista, bien secundado por Joe Edgerton y Elizabeth Debicki. Esta vez no ha podido ser, y el experimento ha fracasado. Aunque la gracia está en intentarlo. Y al menos servirá para acercar la obra de Fitzgerald a aquellos espectadores más jóvenes interesados en quitar el envoltorio pop a esta historia. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: !!! (‘Slyd’)BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=413244b7-089d-441d-88d3-237e67a2b7fcMon, 13 May 2013 13:00:30 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675413244b7-089d-441d-88d3-237e67a2b7fcBlogArticleD859B55754AB1683012013-05-13T20:00:30.607Desde 1985, Rob Zombie lleva agitando la escena musical, con su inconfundible voz, su gusto por el metal industrial y el culto por todo lo relacionado con el cine de terror y la serie B. Primero al frente de la mítica banda White Zombie, luego en solitario y, desde 2003, también detrás de una cámara de cine. La llegada de este polifacético personaje al mundo del cine se produjo tras cuatro años de trabajo. Sólo después de ese tiempo consiguió terminar su ópera primera: 'La casa de los 1.000 cadáveres'. Se trataba de una (sangrienta) revisión de los tópicos y resortes del género 'de psicópatas' que dejaba traslucir algunos de los referentes y mitos a los que Rob Zombie ya había rendido tributo en sus canciones. Mucho más interesante resultó su segundo trabajo. 'Los renegados del diablo' está planteada como una continuación de su primer film, pero aquí el terror se camuflaba en forma de western moderno, con lo que el director da un paso más hacia encontrar un estilo propio. Zombie se unió a sus 'colegones' Tarantino y Rodríguez en el proyecto 'Grindhouse', aportando uno de los falsos tráilers, el delirante ' Werewolf Women of the S.S.', con cameo incluido de Nicolas Cage. Mientras continuaba publicando discos -lleva un ritmo de un trabajo, por lo menos, al año-, Rob Zombie realizó un salto moral en su carrera como director, ya que se atrevió con el remake de 'Halloween'. Tocar y revisar el clásico de John Carpenter era un riesgo, del que salió más o menos con dignidad. La crítica lo masacró, pero el público respondió y, sobre todo, los fans de Michael Myers respetaron su acercamiento (más psicológico que el original) a la figura de este mítico asesino del celuloide. Realizó una segunda parte en 2009, intentando aprovechar el tirón comercial, pero la película pasó desapercibida. Desde entonces, Zombie se ha encargado de dirigir un capítulo de 'CSI Miami' y a preparar su película más personal. Se trata de 'The Lords of Salem', un cruce entre los universos de Kubrick y Ken Russell, según él mismo ha reconocido, y que protagoniza su mujer, Sheri Moon Zombie, siempre presente en los repartos de sus películas. La actriz interpreta a una locutora de radio que recibe un misterioso disco, con una siniestra canción que tiene el poder de afectar en el comportamiento de algunas personas. Mientras, la protagonistas comienza a tener visiones y a desconfiar de todo lo que sucede a su alrededor. Zombie consigue conectar la historias actual, con los sucesos que acontecieron en Salem, siglos atrás, cuando se quemaron a varias mujeres acusadas de brujería. Zombie filma con un estilo que recuerda al Polanski de 'La semilla del diablo', pero, sobre todo, aporta nuevos elementos al cine de terror satánico consiguiendo una atmósfera turbia e inquietante. Llega a los cines el día 17 de mayo y servirá para calmar las ansias de los fans del género, que ya esperan la puesta de largo de 'Nocturna', el nuevo festival de cine fantástico que se celebrará en Madrid del 3 al 9 de junio. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Savages ('Shut Up')Desde 1985, Rob Zombie lleva agitando la escena musical, con su inconfundible voz, su gusto por el metal industrial y el culto por todo lo relacionado con el cine de terror y la serie B. Primero al frente de la mítica banda White Zombie, luego en solitario y, desde 2003, también detrás de una cámara de cine. La llegada de este polifacético personaje al mundo del cine se produjo tras cuatro años de trabajo. Sólo después de ese tiempo consiguió terminar su ópera primera: 'La casa de los 1.000 cadáveres'. Se trataba de una (sangrienta) revisión de los tópicos y resortes del género 'de psicópatas' que dejaba traslucir algunos de los referentes y mitos a los que Rob Zombie ya había rendido tributo en sus canciones. Mucho más interesante resultó su segundo trabajo. 'Los renegados del diablo' está planteada como una continuación de su primer film, pero aquí el terror se camuflaba en forma de western moderno, con lo que el director da un paso más hacia encontrar un estilo propio. Zombie se unió a sus 'colegones' Tarantino y Rodríguez en el proyecto 'Grindhouse', aportando uno de los falsos tráilers, el delirante ' Werewolf Women of the S.S.', con cameo incluido de Nicolas Cage. Mientras continuaba publicando discos -lleva un ritmo de un trabajo, por lo menos, al año-, Rob Zombie realizó un salto moral en su carrera como director, ya que se atrevió con el remake de 'Halloween'. Tocar y revisar el clásico de John Carpenter era un riesgo, del que salió más o menos con dignidad. La crítica lo masacró, pero el público respondió y, sobre todo, los fans de Michael Myers respetaron su acercamiento (más psicológico que el original) a la figura de este mítico asesino del celuloide. Realizó una segunda parte en 2009, intentando aprovechar el tirón comercial, pero la película pasó desapercibida. Desde entonces, Zombie se ha encargado de dirigir un capítulo de 'CSI Miami' y a preparar su película más personal. Se trata de 'The Lords of Salem', un cruce entre los universos de Kubrick y Ken Russell, según él mismo ha reconocido, y que protagoniza su mujer, Sheri Moon Zombie, siempre presente en los repartos de sus películas. La actriz interpreta a una locutora de radio que recibe un misterioso disco, con una siniestra canción que tiene el poder de afectar en el comportamiento de algunas personas. Mientras, la protagonistas comienza a tener visiones y a desconfiar de todo lo que sucede a su alrededor. Zombie consigue conectar la historias actual, con los sucesos que acontecieron en Salem, siglos atrás, cuando se quemaron a varias mujeres acusadas de brujería. Zombie filma con un estilo que recuerda al Polanski de 'La semilla del diablo', pero, sobre todo, aporta nuevos elementos al cine de terror satánico consiguiendo una atmósfera turbia e inquietante. Llega a los cines el día 17 de mayo y servirá para calmar las ansias de los fans del género, que ya esperan la puesta de largo de 'Nocturna', el nuevo festival de cine fantástico que se celebrará en Madrid del 3 al 9 de junio. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Savages ('Shut Up')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=e94963b6-ba5c-4b2b-8c84-d5272e6c6a18Thu, 09 May 2013 12:45:16 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675e94963b6-ba5c-4b2b-8c84-d5272e6c6a18BlogArticleD859B55754AB1683012013-05-09T19:45:16.503La historia de Vitra arranca en 1959, cuando el matrimonio formando por Willi y Erika Fehlbaum, fundadores de la empresa, comienzan a producir los muebles que diseña otro matrimonio: los estadounidenses Eames. Esta alianza creativa da lugar a una de las marcas más emblemáticas del mundo del diseño, la decoración y el arte pensado para el hogar. El acontecimiento tuvo lugar entre Basilea y Weil am Rhein (Suiza), zona en la que luego también se ubicaría el Vitra Campus. En 1981, tras un incendio que acabó con la fábrica original de la compañía, Rolf Fehlbaum, el hijo ya por entonces al mando de la compañía, decidió comenzar a dar forma a lo que sería esta ciudad del diseño y la arquitectura. Lo primero, construir una nueva fábrica, donde se producían ya por entonces los proyectos de algunos de los mejores diseñadores del mundo. El encargado sería Nicholas Grimshaw. En 1987 se comienza a construir el Vitra Design Museum, obra de Frank Gehry. El edificio del estadounidense se inaugura en 1989. Es de la misma altura y tamaño que el de Grimshaw y mantiene ese estilo tan característico de Gehry, con cubos y rampas en perfecta armonía. Al principio se proyectó para albergar la inmensa colección de mobiliario de los Fehlbaum, pero con el paso del tiempo comenzó a acoger exposiciones de diseñadores y arquitectos, hasta convertirse en un centro de referencia a nivel mundial y que ya ha recibido a millones de visitantes. Después llegaría la estación de bomberos, una medida de precaución para evitar que lo que pasó con la factoría original, que los bomberos no llegaron a tiempo para apagar el incendio. En este caso, la encargada fue Zaha Hadid en 1993. Fue el primer proyecto que pudo construir la arquitecta de origen iraní, uno de los siete ganadores del Premio Pritzker con los que cuenta el Vitra Campus. En los años posteriores, se sumaron a la construcción de esta pequeña ciudad Tadao Ando, autor de un pabellón para conferencias en 1993, que supuso su primera obra fuera de Japón; Álvaro Siza, que construyó en 1994 la Factory Hall, con una pasarela que protege a los trabajadores de la lluvia; Jean Prouvé, cuya gasolinera originalmente proyectada en 1953 fue trasladada al Vitra Campus en 2003; o Jasper Morrison, que se encargó de una parada de autobús en 2006. El aspecto del Campus, que en la actualidad acepta seis visitas guiadas al día, adquiriría una nueva forma con la instalación en 2000 de una cúpula de Richard Buckminster Fuller, trasladada desde su ubicación original en Detroit (EEUU) y que ahora mismo se utiliza como pabellón para eventos. Uno de los últimos en poner su granito de arena a este sueño de la familia Fehlbaum han sido Herzog & de Meuron. Los suizos fueron los encargados de dar forma en 2010 al VitraHaus, un edificio compuesto por bloques que se superponen en distintos niveles y que acogen sala de exposiciones, donde el público puede ver las creaciones de Vitra, salas de conferencias, una tienda y una cafetería con terraza. El prestigioso estudio japonés SANAA se ha encargado ahora de dar forma a un nuevo pabellón de producción. Más estrellas que lucirán día y noche en la capital del diseño y la arquitectura. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Queens of the Stone Age ('Song for the dead')La historia de Vitra arranca en 1959, cuando el matrimonio formando por Willi y Erika Fehlbaum, fundadores de la empresa, comienzan a producir los muebles que diseña otro matrimonio: los estadounidenses Eames. Esta alianza creativa da lugar a una de las marcas más emblemáticas del mundo del diseño, la decoración y el arte pensado para el hogar. El acontecimiento tuvo lugar entre Basilea y Weil am Rhein (Suiza), zona en la que luego también se ubicaría el Vitra Campus. En 1981, tras un incendio que acabó con la fábrica original de la compañía, Rolf Fehlbaum, el hijo ya por entonces al mando de la compañía, decidió comenzar a dar forma a lo que sería esta ciudad del diseño y la arquitectura. Lo primero, construir una nueva fábrica, donde se producían ya por entonces los proyectos de algunos de los mejores diseñadores del mundo. El encargado sería Nicholas Grimshaw. En 1987 se comienza a construir el Vitra Design Museum, obra de Frank Gehry. El edificio del estadounidense se inaugura en 1989. Es de la misma altura y tamaño que el de Grimshaw y mantiene ese estilo tan característico de Gehry, con cubos y rampas en perfecta armonía. Al principio se proyectó para albergar la inmensa colección de mobiliario de los Fehlbaum, pero con el paso del tiempo comenzó a acoger exposiciones de diseñadores y arquitectos, hasta convertirse en un centro de referencia a nivel mundial y que ya ha recibido a millones de visitantes. Después llegaría la estación de bomberos, una medida de precaución para evitar que lo que pasó con la factoría original, que los bomberos no llegaron a tiempo para apagar el incendio. En este caso, la encargada fue Zaha Hadid en 1993. Fue el primer proyecto que pudo construir la arquitecta de origen iraní, uno de los siete ganadores del Premio Pritzker con los que cuenta el Vitra Campus. En los años posteriores, se sumaron a la construcción de esta pequeña ciudad Tadao Ando, autor de un pabellón para conferencias en 1993, que supuso su primera obra fuera de Japón; Álvaro Siza, que construyó en 1994 la Factory Hall, con una pasarela que protege a los trabajadores de la lluvia; Jean Prouvé, cuya gasolinera originalmente proyectada en 1953 fue trasladada al Vitra Campus en 2003; o Jasper Morrison, que se encargó de una parada de autobús en 2006. El aspecto del Campus, que en la actualidad acepta seis visitas guiadas al día, adquiriría una nueva forma con la instalación en 2000 de una cúpula de Richard Buckminster Fuller, trasladada desde su ubicación original en Detroit (EEUU) y que ahora mismo se utiliza como pabellón para eventos. Uno de los últimos en poner su granito de arena a este sueño de la familia Fehlbaum han sido Herzog & de Meuron. Los suizos fueron los encargados de dar forma en 2010 al VitraHaus, un edificio compuesto por bloques que se superponen en distintos niveles y que acogen sala de exposiciones, donde el público puede ver las creaciones de Vitra, salas de conferencias, una tienda y una cafetería con terraza. El prestigioso estudio japonés SANAA se ha encargado ahora de dar forma a un nuevo pabellón de producción. Más estrellas que lucirán día y noche en la capital del diseño y la arquitectura. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Queens of the Stone Age ('Song for the dead')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=cbf84be3-bc8a-47ea-b63b-e2d9aedd596eSun, 05 May 2013 07:14:49 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675cbf84be3-bc8a-47ea-b63b-e2d9aedd596eBlogArticleD859B55754AB1683012013-05-05T14:14:49.547Los recortes en el presupuesto de RTVE propiciaron algunas dudas sobre la continuidad de 'Águila Roja', a día de hoy la serie de ficción con más audiencia de la cadena pública y emblema de su programación. Para alegría de los fans de este serial de capa y espada ambientado en el siglo XVII el lunes día 6 de mayo regresa a la programación de TVE 1. El éxito de ´Águila Roja' comenzó desde el mismo momento de su estreno (febrero de 2009), logrando audiencias que rondaban los 6 millones de espectadores. El secreto del tirón popular está en recuperar el espíritu de los clásicos literarios de aventuras y fundirlo con elementos de corte cinematográfico, a lo que hay que sumar un casting bien elegido. En esta nueva temporada se unen a los habituales Loles León y Carlos Areces, un actor en alza y de moda gracias a su papel en 'Los amantes pasajeros', de Pedro Almódovar. El estreno de la serie de TVE 1 coincide con la puesta de largo de 'Red Widow' en el canal temático AXN. La producción de la ABC llega a nuestro país bajo el título de 'Venganza', en lugar del 'Viuda roja' original, que sirve para identificar a la protagonista de la serie Martha Walraven (Radha Mitchell), la mujer de un mafioso de San Francisco que hereda su 'negocio' en un pequeño puerto cuando su marido muere. Martha está familiarizada con la mafia, ya que es miembro del clan de los Petrov, uno de los más poderosos de la ciudad, y a su vez se las tendrá que ver con el manipulador Christian Schiller (al que da vida Gora Visnjic, conocido por 'Urgencias' y 'Pan Am'), que la obliga a trabajar para él para pagar una deuda de su marido fallecido. Así que 'Red Widow', mejor que 'Venganza', es una historia de mafiosos, que podría ser una versión rusa de 'Los Soprano', salvando las distancias. Y también un melodrama familiar, ya que la protagonista tiene que cuidar de sus tres hijos a la vez que intenta sacar adelante el negocio en el puerto y asiste a un cursillo intensivo de cómo ser mafiosa gracias a los ex socios de su marido. El peso lo lleva, como no podía ser de otra manera, Radha Mitchell. La actriz australiana se incorporó a la industria de EEUU por la vía del cine independiente, con títulos tan destacables en la década de los 90 como 'Amor y otras catástrofes' o 'High Art'. Sin embargo, su popularidad llegó gracias a 'Las crónicas de Riddick' o 'Silent Hill', de la que pronto podremos ver la segunda parte. Esta experiencia en el género le ha venido bien para una serie con acción como 'Red Widow', en la que está bien secundada por el veterano actor croata Rade Serbedzija ('Before the Rain') en el papel de su padre, el jefe del clan de los Petrov. A pesar de su indudable atractivo, de momento la ABC no ha renovado la serie para producir una segunda temporada (se estrenó en marzo en EEUU pero la audiencia no respondió bien), así que habrá que conformarse con los ocho capítulos que conforman la primera entrega. 'Red Widow' es una buena opción para los que no conecten con las intrigas y los duelos del estreno de 'Águila Roja'. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Heavenly ('Cool Guitar Boy')Los recortes en el presupuesto de RTVE propiciaron algunas dudas sobre la continuidad de 'Águila Roja', a día de hoy la serie de ficción con más audiencia de la cadena pública y emblema de su programación. Para alegría de los fans de este serial de capa y espada ambientado en el siglo XVII el lunes día 6 de mayo regresa a la programación de TVE 1. El éxito de ´Águila Roja' comenzó desde el mismo momento de su estreno (febrero de 2009), logrando audiencias que rondaban los 6 millones de espectadores. El secreto del tirón popular está en recuperar el espíritu de los clásicos literarios de aventuras y fundirlo con elementos de corte cinematográfico, a lo que hay que sumar un casting bien elegido. En esta nueva temporada se unen a los habituales Loles León y Carlos Areces, un actor en alza y de moda gracias a su papel en 'Los amantes pasajeros', de Pedro Almódovar. El estreno de la serie de TVE 1 coincide con la puesta de largo de 'Red Widow' en el canal temático AXN. La producción de la ABC llega a nuestro país bajo el título de 'Venganza', en lugar del 'Viuda roja' original, que sirve para identificar a la protagonista de la serie Martha Walraven (Radha Mitchell), la mujer de un mafioso de San Francisco que hereda su 'negocio' en un pequeño puerto cuando su marido muere. Martha está familiarizada con la mafia, ya que es miembro del clan de los Petrov, uno de los más poderosos de la ciudad, y a su vez se las tendrá que ver con el manipulador Christian Schiller (al que da vida Gora Visnjic, conocido por 'Urgencias' y 'Pan Am'), que la obliga a trabajar para él para pagar una deuda de su marido fallecido. Así que 'Red Widow', mejor que 'Venganza', es una historia de mafiosos, que podría ser una versión rusa de 'Los Soprano', salvando las distancias. Y también un melodrama familiar, ya que la protagonista tiene que cuidar de sus tres hijos a la vez que intenta sacar adelante el negocio en el puerto y asiste a un cursillo intensivo de cómo ser mafiosa gracias a los ex socios de su marido. El peso lo lleva, como no podía ser de otra manera, Radha Mitchell. La actriz australiana se incorporó a la industria de EEUU por la vía del cine independiente, con títulos tan destacables en la década de los 90 como 'Amor y otras catástrofes' o 'High Art'. Sin embargo, su popularidad llegó gracias a 'Las crónicas de Riddick' o 'Silent Hill', de la que pronto podremos ver la segunda parte. Esta experiencia en el género le ha venido bien para una serie con acción como 'Red Widow', en la que está bien secundada por el veterano actor croata Rade Serbedzija ('Before the Rain') en el papel de su padre, el jefe del clan de los Petrov. A pesar de su indudable atractivo, de momento la ABC no ha renovado la serie para producir una segunda temporada (se estrenó en marzo en EEUU pero la audiencia no respondió bien), así que habrá que conformarse con los ocho capítulos que conforman la primera entrega. 'Red Widow' es una buena opción para los que no conecten con las intrigas y los duelos del estreno de 'Águila Roja'. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Heavenly ('Cool Guitar Boy')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=adb89603-1c8f-4892-85f1-10133d1c9b5bWed, 01 May 2013 00:45:58 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675adb89603-1c8f-4892-85f1-10133d1c9b5bBlogArticleD859B55754AB1683012013-05-01T07:45:58.547Los hermanos Ronan y Erwan Bouroullec (1971 y 1976, Quimper, Francia), llevan años aplicando su imaginación al mundo del diseño. Desde 1999 poseen su propio estudio y han trabajado para las principales firmas internacionales. Su producción comprende desde pequeños objetos de decoración y soluciones prácticas para el hogar -a partir de la compartimentación del espacio-, hasta grandes proyectos arquitectónicos.   Su genialidad ha quedado plasmada también en el diseño de muebles domésticos y de oficina. La editorial Phaidon ha publicado recientemente el libro ‘Works’, que cuenta con imágenes inéditas de sus trabajos, seleccionadas personalmente por los artistas. Y también ofrece entrevistas con estos dos hermanos franceses, sus colaboradores, así como el primer catálogo completo de sus trabajos.   Además, el Museo de Artes Decorativas de París acoge, desde abril hasta septiembre, una muestra retrospectiva de su prolífica carrera. También la capital gala rinde homenaje durante estos días Eileen Grey. La irlandesa está considerada, junto Le Corbusier o Mies Van Der Rohe, como una de las personalidades más influyentes en el mundo de la arquitectura y el diseño del siglo XX. Su trabajo ayudó a dar forma al concepto de modernidad.   El futuro proyecta luces, el pasado sólo sombras, es una de sus frases más populares y también una síntesis perfecta de su pensamiento. Su obra se puede contemplar en el Centro Pompidou de Paris hasta el próximo 20 de mayo y en ella queda reflejada esa combinación de virtuosismo técnico con una enorme fuerza poética. Precisamente, en la capital gala, en el mítico cementerio de Père Lachaise, es donde la artista fue enterrada en 1976.   Además, la figura de Eileen Grey encarna un nuevo tipo de feminidad en una sociedad artística como la que le tocó vivir, que estaba copada por hombre. Se la considera como una diseñadora total, ya que producción abarca desde la fotografía a los textiles, la pintura de laca o la arquitectura.   Para terminar este repaso por las ofertas artísticas del calendario europeo de primavera, algunas citas que llaman especialmente la atención como la muestra sobre Man Ray en la Nacional Portrait Gallery de Londres. Allí, y hasta el 27 de mayo, se puede visitar una exposición que recupera su trabajo como retratista. Incluye varias fotografías inéditas e instantáneas de personajes populares de su tiempo.   También en la capital inglesa se puede caer rendido ante el talento de Lichtenstein. Bajo el título ‘A retrospective’, la Tate Modern invita a profundizar en la obra de este maestro estadounidense, a través de una Completa retrospectiva del que está considerado como uno de los padres del art pop. La exposición cuenta con sus famosas reinterpretación de cómics y de iconos como Mickey Mouse. Y ‘L'art en guerre’, en el Guggenheim (Bilbao), que recupera trabajos realizados en Francia (en el período comprendido entre 1938 y 1947) por Picasso, Dubuffet, Braque, Duchamp o Kandinsky. Está abierta hasta el 8 de septiembre. Y, por supuesto, no hay que olvidar la muestra de Dalí, en el Reina Sofía de Madrid, que está siendo la gran sensación de la primavera. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Scout Niblett ft. Will Oldham ('Kiss')Los hermanos Ronan y Erwan Bouroullec (1971 y 1976, Quimper, Francia), llevan años aplicando su imaginación al mundo del diseño. Desde 1999 poseen su propio estudio y han trabajado para las principales firmas internacionales. Su producción comprende desde pequeños objetos de decoración y soluciones prácticas para el hogar -a partir de la compartimentación del espacio-, hasta grandes proyectos arquitectónicos.   Su genialidad ha quedado plasmada también en el diseño de muebles domésticos y de oficina. La editorial Phaidon ha publicado recientemente el libro ‘Works’, que cuenta con imágenes inéditas de sus trabajos, seleccionadas personalmente por los artistas. Y también ofrece entrevistas con estos dos hermanos franceses, sus colaboradores, así como el primer catálogo completo de sus trabajos.   Además, el Museo de Artes Decorativas de París acoge, desde abril hasta septiembre, una muestra retrospectiva de su prolífica carrera. También la capital gala rinde homenaje durante estos días Eileen Grey. La irlandesa está considerada, junto Le Corbusier o Mies Van Der Rohe, como una de las personalidades más influyentes en el mundo de la arquitectura y el diseño del siglo XX. Su trabajo ayudó a dar forma al concepto de modernidad.   El futuro proyecta luces, el pasado sólo sombras, es una de sus frases más populares y también una síntesis perfecta de su pensamiento. Su obra se puede contemplar en el Centro Pompidou de Paris hasta el próximo 20 de mayo y en ella queda reflejada esa combinación de virtuosismo técnico con una enorme fuerza poética. Precisamente, en la capital gala, en el mítico cementerio de Père Lachaise, es donde la artista fue enterrada en 1976.   Además, la figura de Eileen Grey encarna un nuevo tipo de feminidad en una sociedad artística como la que le tocó vivir, que estaba copada por hombre. Se la considera como una diseñadora total, ya que producción abarca desde la fotografía a los textiles, la pintura de laca o la arquitectura.   Para terminar este repaso por las ofertas artísticas del calendario europeo de primavera, algunas citas que llaman especialmente la atención como la muestra sobre Man Ray en la Nacional Portrait Gallery de Londres. Allí, y hasta el 27 de mayo, se puede visitar una exposición que recupera su trabajo como retratista. Incluye varias fotografías inéditas e instantáneas de personajes populares de su tiempo.   También en la capital inglesa se puede caer rendido ante el talento de Lichtenstein. Bajo el título ‘A retrospective’, la Tate Modern invita a profundizar en la obra de este maestro estadounidense, a través de una Completa retrospectiva del que está considerado como uno de los padres del art pop. La exposición cuenta con sus famosas reinterpretación de cómics y de iconos como Mickey Mouse. Y ‘L'art en guerre’, en el Guggenheim (Bilbao), que recupera trabajos realizados en Francia (en el período comprendido entre 1938 y 1947) por Picasso, Dubuffet, Braque, Duchamp o Kandinsky. Está abierta hasta el 8 de septiembre. Y, por supuesto, no hay que olvidar la muestra de Dalí, en el Reina Sofía de Madrid, que está siendo la gran sensación de la primavera. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Scout Niblett ft. Will Oldham ('Kiss')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=2936bfef-d423-4f71-b004-d44dea403910Sat, 27 Apr 2013 00:50:15 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c6752936bfef-d423-4f71-b004-d44dea403910BlogArticleD859B55754AB1683012013-04-27T07:50:15.97El punk entra en las salas del Metropolitan. El movimiento que contagió de rebeldía a los jóvenes de los setenta ha extendido su influencia a lo largo del tiempo, mucho más allá del ámbito de la música. Sin ir más lejos, la alta costura se impregnó de ese carácter contestario para hacer suya una estética que surgió en las calles y ha acabado desfilando en las principales pasarelas de alta costura del mundo. Esta intensa relación es el eje sobre el que se articula la muestra 'PUNK: Chaos to couture', que se inaugura en mayo en el Metropolitan de Nueva York. "Desde sus orígenes, el punk ha tenido una influencia incendiaria en la moda. Los diseñadores siguen un vocabulario de estética punk apropiado para capturar la rebeldía juvenil y resultar contundentes en sus propuestas", asegura Andrew Bolton, organizador de la exposición, que está compuesta por unos cien diseños. Algunas prendas originales de los 70, cuando Vivienne Westwood y Malcolm McLaren comenzaron a dar forma estética al punk desde su mítica boutique del 430 de King's Road en Londres, conviven con la moda actual. Es decir, en las salas del museo de Nueva York se encontrarán retratos de grandes 'héroes' del punk como Sid Vicius, Johnny Rotten, The Clash o Debbie Harry, junto con diseños de Galliano, Lagerfeld, Versace, Marc Jacobs, Prada o Dior. El objetivo del comisario de la exposición es establecer un diálogo entre ambos mundos, entre el concepto de 'do it yourself' (hazlo tú mismo) que popularizó el punk, y el trabajo de los más grandes diseñadores. De este modo, se puede llegar a valorar la herencia que el punk ha dejado en el mundo de la moda y que, a día de hoy, sigue muy viva. Y si se viaja hasta la Gran Manzana para ver la exposición, se puede seguir la ruta que propone 'New York at Night. Photography after dark', que publica la editorial estadounidense PowerHouse Books. Este libro es un testimonio documental de la famosa vida nocturna de Nueva York, a través de los ojos de los fotógrafos más importantes del siglo pasado y del actual. Cuando cae la noche sobre Nueva York, la ciudad se muestra diversa y compleja, igual que su propio urbanismo. Puede ser encantadora, intelectual y popular; pero también lúgubre e inesperada, con sus dosis de riesgo y aventura. La Gran Manzana muestra todas estas caras en la oscuridad a través de grandes de la fotografía como Joseph Byron, William Klein, Stanley Kubrick, James Van Der Zee, Henri Cartier-Bresson, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Annie Leibovitz o Larry Fink, todos presentes en este libro. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Pennywise ('All or nothing')El punk entra en las salas del Metropolitan. El movimiento que contagió de rebeldía a los jóvenes de los setenta ha extendido su influencia a lo largo del tiempo, mucho más allá del ámbito de la música. Sin ir más lejos, la alta costura se impregnó de ese carácter contestario para hacer suya una estética que surgió en las calles y ha acabado desfilando en las principales pasarelas de alta costura del mundo. Esta intensa relación es el eje sobre el que se articula la muestra 'PUNK: Chaos to couture', que se inaugura en mayo en el Metropolitan de Nueva York. "Desde sus orígenes, el punk ha tenido una influencia incendiaria en la moda. Los diseñadores siguen un vocabulario de estética punk apropiado para capturar la rebeldía juvenil y resultar contundentes en sus propuestas", asegura Andrew Bolton, organizador de la exposición, que está compuesta por unos cien diseños. Algunas prendas originales de los 70, cuando Vivienne Westwood y Malcolm McLaren comenzaron a dar forma estética al punk desde su mítica boutique del 430 de King's Road en Londres, conviven con la moda actual. Es decir, en las salas del museo de Nueva York se encontrarán retratos de grandes 'héroes' del punk como Sid Vicius, Johnny Rotten, The Clash o Debbie Harry, junto con diseños de Galliano, Lagerfeld, Versace, Marc Jacobs, Prada o Dior. El objetivo del comisario de la exposición es establecer un diálogo entre ambos mundos, entre el concepto de 'do it yourself' (hazlo tú mismo) que popularizó el punk, y el trabajo de los más grandes diseñadores. De este modo, se puede llegar a valorar la herencia que el punk ha dejado en el mundo de la moda y que, a día de hoy, sigue muy viva. Y si se viaja hasta la Gran Manzana para ver la exposición, se puede seguir la ruta que propone 'New York at Night. Photography after dark', que publica la editorial estadounidense PowerHouse Books. Este libro es un testimonio documental de la famosa vida nocturna de Nueva York, a través de los ojos de los fotógrafos más importantes del siglo pasado y del actual. Cuando cae la noche sobre Nueva York, la ciudad se muestra diversa y compleja, igual que su propio urbanismo. Puede ser encantadora, intelectual y popular; pero también lúgubre e inesperada, con sus dosis de riesgo y aventura. La Gran Manzana muestra todas estas caras en la oscuridad a través de grandes de la fotografía como Joseph Byron, William Klein, Stanley Kubrick, James Van Der Zee, Henri Cartier-Bresson, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Annie Leibovitz o Larry Fink, todos presentes en este libro. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Pennywise ('All or nothing')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=5212ec7d-cdd1-4b58-ba7e-b64d518efd90Sat, 27 Apr 2013 01:40:56 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c6755212ec7d-cdd1-4b58-ba7e-b64d518efd90BlogArticleD859B55754AB1683552013-04-23T15:09:52.447Robert Downey Jr. ha encontrado su alter ego en la ficción. Uno de los actores más excéntricos y peculiares del Hollywood actual, con un pasado de chico malo escrito con letras mayúsculas en su currículum, se puso la coraza de hierro de Iron Man en 2008 y comprobó que le sentaba como un guante. Y no sólo eso, que le permitía moverse con habilidad, porque el personaje es un 'outsider', gamberro, jaranero y algo golfo que libera su indomesticable histrionismo. Iron Man es uno de los iconos de la Marvel y también de los héroes de la casa de cómics que mejor resultados comerciales está arrojando en el cine. Parte de la culpa es del carismático Robert Downey Jr. Más allá de las preferencias de los fans de las viñetas, el público de las salas se ha rendido a este personaje que combina el humor bruto con la fina ironía y que combate el mal con la vista puesta en alguna chica. Cierto es que en 'Iron Man 3' nos encontramos que Tony Stark, que es su nombre real, mira al pasado con distancia, como arrepintiéndose de sus errores, y que parece querer sentar la cabeza junto a su fiel compañera Pepper Potts (Gwyneth Paltrow). Sin embargo, los 'malos' siempre le buscan las cosquillas (a pesar del traje de acero, se entiende) a este superhéroe. En este caso, se trata de una amenaza terrorista, que lleva la firma del Mandarín -Ben Kingsley, genial en un rol secundario al que sabe sacar todo su partido- que guarda reminiscencias y comparte formas de actuar con Bin Landen. Ahora Shane Black ha tomado el relevo en la dirección de Jon Favreau, y la saga ha notado este nuevo ímpetu, tras un segundo capítulo algo más convencional, pese a la presentación en sociedad de la Viuda Negra, y que casi servía como prólogo de 'Los Vengadores'. Shane Black sólo había dirigido 'Kiss Kiss, Bang Bang' (2005), un pequeño film, que pronto alcanzó el estatus de título de culto, y que estaba protagonizado por el propio Downey Jr. Pero Black tiene una extensa trayectoria como guionista, en la que figuran títulos de tanta repercusión comercial como la saga 'Arma letal', 'El último Boy Scout' (Tony Scott) o 'El último gran héroe' (John McTiernan). Como se puede comprobar, acredita suficiente experiencia en cine de acción con films que ya son verdaderos clásicos del género. Y en 'Iron Man 3' sabe imponer un ritmo que engancha al espectador, en el que la espectacularidad y el humor se van dando paso, como pasaba en el cine de los 80. Pero, sobre todo, sabe potenciar el magnetismo y el atractivo de Tony Stark. El multimillonario fan de la tecnología sigue siendo ese irresistible travieso y gamberro entrañable cuyo carisma le sitúa como uno de los líderes de la pandilla de la Marvel en el cine. Y da la sensación de que Robert Downey Jr. disfruta tanto como lo hace el público. Habrá que estar atentos a ver cómo reaparece en 'Los Vengadores 2', el gran 'all star' de la Marvel. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: LCD Soundsystem ('All my friends/Shut up and...)ME ENCANTA LA 3 PARTE ES ESTUPENDA MUY BUENA Y ENTRETENIDABlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=72a3f290-2eab-40ff-83d8-7b46a8ad4ed6Fri, 19 Apr 2013 23:35:01 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c67572a3f290-2eab-40ff-83d8-7b46a8ad4ed6BlogArticleD859B55754AB1683012013-04-20T06:35:01.007La naturaleza retrospectiva y las dimensiones de la exposición sobre Dalí, que se puede ver en el Reina Sofía desde el 26 de abril, va a convertir al pintor catalán fallecido en 1989 en el gran protagonista de la temporada en España. La muestra llega procedente del Pompidou -coorganizador junto al centro de arte ubicado en Madrid-, donde ha alcanzado un gran éxito de público y se ha convertido en un auténtico acontecimiento. Desde la capital gala viajarán hasta España las 200 obras que proceden diversas instituciones (MoMa o Tate Modern, entre otros), de colecciones privadas. Y también de la Fundación Gala-Salvador Dalí (Figueras), del Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Florida, EEUU) y del propio Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, los depositarios del legado del artista ampurdanés. Como no podía ser de otro modo, el período surrealista de Dalí ocupa la parte central del desarrollo de la exposición. A través de las obras de momento de su inmensa producción se podrá comprobar el método (denominado paranoico-crítico) desarrollado por el artista para transformar y subvertir los elementos que formaban parte de la realidad que le rodeaba. Para facilitar este acercamiento al pensamiento de Dalí junto las obras también se exhibe abundante material documental, textos manuscritos con la firma de Dalí, fotografías, revistas y documentos audiovisuales. De esta época destacan grandes creaciones del artista nacido en Figueres en 1904 como 'El gran masturbador' (1929), 'La persistencia de la memoria' (1931) o 'El espectro del sex-appeal' (1934). Este paseo por la vida y la obra de Salvador Dalí arranca con sus trabajos de juventud, donde destacan por su importancia temas como la familia o los paisajes de Cadaqués, donde pasó esta etapa de su vida. Luego llegaría la Residencia de Estudiantes y su trascendental encuentro con Federico García Lorca y Luis Buñuel, al que retrató en 1924 en una obra también presente en la exposición y con el que colaboró en la película 'Un perro andaluz' (1929). En esta obra clave del surrealismo, los sueños comienzan a conquistar el terreno que antes ocupaba por completo la realidad. Igual que irá sucendiendo poco a poco en la producción artística del propio Dalí. En ese momento Bataille, Miró o Picasso se convierten en sus grandes influencias. Además del período surrealista, la exposición del Reina Sofía recupera sus trabajos para la gran pantalla (en Hollywood, Dalí colaboró con Disney y Alfred Hitchcock) y también las obras más arriesgadas y delirantes, pero igualmente geniales, de los años setenta con las que puso fin a su trayectoria. Una visión completa que permite acercarse al artista que consiguió derribar las fronteras entre realidad y sueño. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: The Pixies ('Debaser')La naturaleza retrospectiva y las dimensiones de la exposición sobre Dalí, que se puede ver en el Reina Sofía desde el 26 de abril, va a convertir al pintor catalán fallecido en 1989 en el gran protagonista de la temporada en España. La muestra llega procedente del Pompidou -coorganizador junto al centro de arte ubicado en Madrid-, donde ha alcanzado un gran éxito de público y se ha convertido en un auténtico acontecimiento. Desde la capital gala viajarán hasta España las 200 obras que proceden diversas instituciones (MoMa o Tate Modern, entre otros), de colecciones privadas. Y también de la Fundación Gala-Salvador Dalí (Figueras), del Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Florida, EEUU) y del propio Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, los depositarios del legado del artista ampurdanés. Como no podía ser de otro modo, el período surrealista de Dalí ocupa la parte central del desarrollo de la exposición. A través de las obras de momento de su inmensa producción se podrá comprobar el método (denominado paranoico-crítico) desarrollado por el artista para transformar y subvertir los elementos que formaban parte de la realidad que le rodeaba. Para facilitar este acercamiento al pensamiento de Dalí junto las obras también se exhibe abundante material documental, textos manuscritos con la firma de Dalí, fotografías, revistas y documentos audiovisuales. De esta época destacan grandes creaciones del artista nacido en Figueres en 1904 como 'El gran masturbador' (1929), 'La persistencia de la memoria' (1931) o 'El espectro del sex-appeal' (1934). Este paseo por la vida y la obra de Salvador Dalí arranca con sus trabajos de juventud, donde destacan por su importancia temas como la familia o los paisajes de Cadaqués, donde pasó esta etapa de su vida. Luego llegaría la Residencia de Estudiantes y su trascendental encuentro con Federico García Lorca y Luis Buñuel, al que retrató en 1924 en una obra también presente en la exposición y con el que colaboró en la película 'Un perro andaluz' (1929). En esta obra clave del surrealismo, los sueños comienzan a conquistar el terreno que antes ocupaba por completo la realidad. Igual que irá sucendiendo poco a poco en la producción artística del propio Dalí. En ese momento Bataille, Miró o Picasso se convierten en sus grandes influencias. Además del período surrealista, la exposición del Reina Sofía recupera sus trabajos para la gran pantalla (en Hollywood, Dalí colaboró con Disney y Alfred Hitchcock) y también las obras más arriesgadas y delirantes, pero igualmente geniales, de los años setenta con las que puso fin a su trayectoria. Una visión completa que permite acercarse al artista que consiguió derribar las fronteras entre realidad y sueño. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: The Pixies ('Debaser')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=ae7e697a-0eae-476d-b08a-4a09f40d8fd1Tue, 16 Apr 2013 12:52:38 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675ae7e697a-0eae-476d-b08a-4a09f40d8fd1BlogArticleD859B55754AB1683012013-04-16T19:52:38.39Jacques Demy (Pontchâteau, 1931- París, 1990) fue un cineasta al que le gustó remar contracorriente. Comenzó militando en las filas de la nouvelle vague, pero pronto se distanció de sus compañeros de generación (Godard, Resnais o Malle) para practicar un cine con un toque muy personal, planteado como una constante huida de las normas. Desde el 10 de abril, la Cinemateca de París rinde homenaje al director con la muestra 'El mundo encantado de Jacques Demy', donde se puede emprender una aproximación a su interesante personalidad a través de recuerdos de sus rodajes, pinturas, diseños realizados para vestuarios o las fotografías tomadas por la que fuera su esposa, la también directora Agnès Varda. El nombre de Demy estará para siempre vinculado con el musical. Con su tercera película, 'Los paraguas de Cherburgo', consiguió en 1964 la Palma de Oro de Cannes y una nominación al Oscar. Se trata de un musical nada convencional, donde los personajes cantan y que sirvió para asentar una estética muy personal, cargada al mismo tiempo de elementos pop y melancólica. 'Los paraguas de Cherburgo' supuso también su primera colaboración con Catherine Deneuve. Con ella volvería a repetir en 'Las señoritas de Rochefort' (1967), una nueva aproximación al género que esta vez además incluía un homenaje hacia los grandes clásicos de Hollywood, por los que Demy sentía verdadera devoción, incluyendo en su reparto al mítico actor y coreógrafo Gene Kelly. El director y su musa volvieron a coincidir en la adaptación del cuento de Perrault 'Piel de asno' (1970) y en 'No te puedes fiar ni de la cigüeña' (1973), en la que Deneuve compartía protagonismo con su pareja Marcello Mastroianni, justo un año después de que hubiera nacido la hija de ambos, Chiara. La colaboración entre Deneuve -por aquel entonces inspiración también de Buñuel, Truffaut o Polanski- y Demy convirtió a la actriz en una auténtica estrella del cine europeo. Su imagen y su belleza representan también los mundos encantados a los que el director francés invitaba al espectador con sus películas. Pero Deneuve no fue la única actriz que encarnó en la pantalla el ideal de mujer de Demy. Otros dos iconos del cine francés como Anouk Aimée, que llegó a ser candidata al Oscar por 'Un hombre y una mujer' (1966), y Jeanne Moreau, la gran dama del cine y del teatro en Francia, tuvieron también una importante presencia en su filmografía. Con la primera, que acababa de rodar 'La dolce vita', de Fellini, debutó en el cine, con 'Lola' (1960), un drama ambientado en una ciudad costera –como casi todas las películas de Demy- donde la música tenía una fuerte presencia. La actriz repetiría a las órdenes de Demy en 'Model Shop' (1969). Con Moreau trabajó en 'La bahía de los ángeles' (1963), un drama intimista, ambientado en el mundo del juego, que precedió a su definitivo giro hacia el musical más luminoso, el género que encumbró a Demy, donde las palabras hacen bailar a los personajes y los sentimientos riman al ritmo de música. Un cine en el que fantasía y realidad aparecen fundidos de manera inseparable y del que deja constancia esta exposición de la Cinemateca de París. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: TV on the radio ('Second Song')Jacques Demy (Pontchâteau, 1931- París, 1990) fue un cineasta al que le gustó remar contracorriente. Comenzó militando en las filas de la nouvelle vague, pero pronto se distanció de sus compañeros de generación (Godard, Resnais o Malle) para practicar un cine con un toque muy personal, planteado como una constante huida de las normas. Desde el 10 de abril, la Cinemateca de París rinde homenaje al director con la muestra 'El mundo encantado de Jacques Demy', donde se puede emprender una aproximación a su interesante personalidad a través de recuerdos de sus rodajes, pinturas, diseños realizados para vestuarios o las fotografías tomadas por la que fuera su esposa, la también directora Agnès Varda. El nombre de Demy estará para siempre vinculado con el musical. Con su tercera película, 'Los paraguas de Cherburgo', consiguió en 1964 la Palma de Oro de Cannes y una nominación al Oscar. Se trata de un musical nada convencional, donde los personajes cantan y que sirvió para asentar una estética muy personal, cargada al mismo tiempo de elementos pop y melancólica. 'Los paraguas de Cherburgo' supuso también su primera colaboración con Catherine Deneuve. Con ella volvería a repetir en 'Las señoritas de Rochefort' (1967), una nueva aproximación al género que esta vez además incluía un homenaje hacia los grandes clásicos de Hollywood, por los que Demy sentía verdadera devoción, incluyendo en su reparto al mítico actor y coreógrafo Gene Kelly. El director y su musa volvieron a coincidir en la adaptación del cuento de Perrault 'Piel de asno' (1970) y en 'No te puedes fiar ni de la cigüeña' (1973), en la que Deneuve compartía protagonismo con su pareja Marcello Mastroianni, justo un año después de que hubiera nacido la hija de ambos, Chiara. La colaboración entre Deneuve -por aquel entonces inspiración también de Buñuel, Truffaut o Polanski- y Demy convirtió a la actriz en una auténtica estrella del cine europeo. Su imagen y su belleza representan también los mundos encantados a los que el director francés invitaba al espectador con sus películas. Pero Deneuve no fue la única actriz que encarnó en la pantalla el ideal de mujer de Demy. Otros dos iconos del cine francés como Anouk Aimée, que llegó a ser candidata al Oscar por 'Un hombre y una mujer' (1966), y Jeanne Moreau, la gran dama del cine y del teatro en Francia, tuvieron también una importante presencia en su filmografía. Con la primera, que acababa de rodar 'La dolce vita', de Fellini, debutó en el cine, con 'Lola' (1960), un drama ambientado en una ciudad costera –como casi todas las películas de Demy- donde la música tenía una fuerte presencia. La actriz repetiría a las órdenes de Demy en 'Model Shop' (1969). Con Moreau trabajó en 'La bahía de los ángeles' (1963), un drama intimista, ambientado en el mundo del juego, que precedió a su definitivo giro hacia el musical más luminoso, el género que encumbró a Demy, donde las palabras hacen bailar a los personajes y los sentimientos riman al ritmo de música. Un cine en el que fantasía y realidad aparecen fundidos de manera inseparable y del que deja constancia esta exposición de la Cinemateca de París. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: TV on the radio ('Second Song')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=f27c9f82-7905-459c-9059-1f0431d0d963Tue, 16 Apr 2013 07:22:42 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675f27c9f82-7905-459c-9059-1f0431d0d963BlogArticleD859B55754AB1683122013-04-11T19:00:23.967Camino de los 51 años, los cumplirá el próximo mes de julio, Tom Cruise sigue encarnando al gran héroe americano. Por encima de otras estrellas -tanto de su generación, como de las posteriores- el actor ha conseguido labrarse una imagen (al menos en el cine) que transmite unos valores que gustan mucho en la taquilla USA y que son muy fácilmente exportables. Sus cifras asustan; sus películas han recaudado ocho mil millones de dólares en todo el mundo. Son datos actualizados, tomados de las notas de producción de 'Oblivion' su última película, que llega ahora a los cines. Por cierto, esta vez, y ya es raro, ni Cruise ni su socia habitual Paula Wagner figuran en la nómina de productores del film. 'Oblivion' es la tercera película que nos llega de Tom Cruise en los últimos doce meses. Tras la cuarta entrega de 'Misión: Imposible', una franquicia rentable para la taquilla, y en la que contó con J.J. Abrams como aliado; y 'Jack Reacher', un proyecto mucho más interesante que por su relativo fracaso en taquilla no va a cuajar como saga, ahora toca el turno a una película de ciencia ficción anticipativa o, mejor dicho, de fantasía catastrofista. Porque la historia arranca con la extinción de la vida humana sobre la faz de la Tierra, tras una guerra nuclear librada frente a unos invasores galácticos, y la emigración en masa a otro planeta seguro de los pocos supervivientes. Sobre la Tierra sólo quedan dos miembros de la resistencia, dos oficiales del ejército que controlan que los alienígenas invasores no acaben con los recursos naturales y trabajan en el mantenimiento de los robots de vigilancia. Uno de ellos, claro, es Tom Cruise. El actor demuestra que sabe elegir a sus compañeros de viaje y en esta ocasión se ha puesto en manos de Joseph Kosinski. El director se ha ganado cierto prestigio como director de ciencia ficción gracias al éxito del remake de 'Tron'. En realidad, lo que demostró en la producción de Disney es ser un inteligente narrador que sabe poner la tecnología al servicio de la historia, lo que no es poco, y sacar todo el partido a ese diseño de escenarios, paisajes, gadget y naves futuristas realizadas por ordenador. Lo que han sido los efectos de toda la vida. En este caso, la película parte de una idea propia, algo que es de agradecer. Una historia corta que, precisamente adolece de falta de desarrollo. Sin embargo hay dos elementos que juegan a su favor: la excepcional banda sonora de M83, adecuando su retro-electrónica a la grandilocuencia de las grandes partituras; y, claro está, la motivación de Tom Cruise. Desde que debutó con 'Taps: Más allá del honor', en 1981, antes de convertirse en un miembro destacado del 'atajo de mocosos' de 'Rebeldes' de Coppola, el actor lleva reinando en las taquillas de todo el mundo. A finales de los 80 tuvo un amago, bastante serio, de convertirse en un actor respetado con 'El color del dinero', de Scorsese, y con 'Nacido el 4 de julio', de Oliver Stone. Fue su intento de enterrar al niñato de 'Risky Business'. Su esfuerzo no se vio recompensado en ninguno de los dos casos con el merecido Oscar, así que decidió tirar por su camino de 'action hero' que no le hacía ascos a papeles envenenados y arriesgados como los de 'Entrevista con el vampiro' o 'Collateral', alejados de su imagen de niño bueno. Así ha llegado hasta los 50. Seguro que Tom, con su excentricidades, va a seguir dando guerra en las taquillas muchos años más. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: The XX (Talabot & Pional) ('Chained')¡¡Que cosita más rica!!, está guapísimoBlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=8b5d4cc5-b389-459c-9d84-8a19e4540f14Thu, 11 Apr 2013 10:38:51 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c6758b5d4cc5-b389-459c-9d84-8a19e4540f14BlogArticleD859B55754AB1683232013-04-09T09:36:02.37Llegan en un mismo mes las nuevas temporadas de 'Juego de tronos', 'Mad men' y el estreno de 'Hannibal'. Es decir, los platos más fuertes de la televisión actual -con permiso de 'Breaking Bad' y 'The Walking dead'- en lo que se refiere a ficciones de corte dramático. Pero además este mes de abril también ha sido el elegido para estrenar la primera temporada de 'Hannibal', una de las grandes apuestas de la temporada. Es decir, que abril sería el equivalente a febrero en el mundo del cine, el mes en el que las grandes 'majors' (aquí HBO, AMC o NBC) lanzan sus productos estrella y se enfrentan en la batalla por las audiencias y los grandes premios de la temporada. Comencemos por la última en llegar. 'Hannibal', que se estrena en España el 11 de abril en AXN, y que ha tenido una discreta entrada en EEUU. Igual que comentábamos hace una semanas a propósito de 'Bates Motel', esta serie pretende ser una precuela de todo lo que hemos conocido a propósito del personajes surgido de los libros de Thomas Harris y que se convirtió en un icono gracias al éxito de 'El silencio de los corderos', donde fue encarnado de manera magistral por Anthony Hopkins. En esta ocasión, el encargado de dar vida a este envenenado personaje es el excelente actor Mads Mikkelsen. Este danés se ganó primero el estatus de estrella de culto gracias a la trilogía 'Pusher' y dio el gran salto internacional con su papel de villano en 'Casino Royale'. Este mismo año le hemos podido ver en 'Un asunto real' y muy pronto en 'La caza' ('The hunt'), de Thomas Vinterberg, por la que ganó el premio al mejor actor en el último Festival de Cannes. Mikkelsen borda el papel de Hannibal. Su cinismo le sienta como un guante y consigue transmitir esa frialdad seductora que atrapa tanto al espectador como a sus futuras víctimas. Por ese lado, la serie acierta. Aquí encontramos al prestigioso psiquiatra colaborando de nuevo con el FBI en la resolución de casos, mientras comienza su carrera delictiva. Tras el primer episodio habrá que ver si los creadores son capaces de mantener la tensión de las tramas o la gigantesca personalidad de Hannibal acaba por comerse el menú al completo. En cuanto a 'Juego de tronos' y 'Mad Men' su llegada a la televisión de EEUU ha sido muy bien acogida por los fans de las series, que llevan tres y seis temporadas. En el caso de la producción de la HBO, el arranque de la tercera temporada se ha limitado a colocar a los personajes de nuevo en ese inmenso tablero de ajedrez que es Poniente, donde los reyes luchan por el Trono de Hierro. Es decir, ha sido una especie de 'previo' para situar al espectador dentro de ese inmenso mapa que se extiende ya más allá del temido Muro y donde los elementos fantásticos (y los efectos visuales) comienzan a tener cada vez un peso más determinante. Mientras que 'Mad Men' arrancó con un capítulo doble con Don Draper en Hawai leyendo a Dante y el planteamiento de algunas líneas argumentales que prometen deparar emociones fuertes a lo largo de toda la sexta temporada. Y para terminar no hay que olvidarse de que esta semana se estrena en abierto 'Homeland' (en Cuatro). La serie protagonizada por Claire Danes ya ha finiquitado la segunda temporada, pero para todos aquellos que no se hayan enganchado a este thriller sobre las falsas identidades y los fantasmas del pasado, ambientado en los recovecos del sistema de inteligencia de EEUU, tienen la oportunidad de hacerlo desde su comienzo. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: The Knife ('A tooth for an eye')al que no le gusten las series que apague la tele y lea el periodico, ahi tienes un buen culebron con todo lo que pasa en españa, tienes ladrones, princesitas destronadas, gente pasando penurias... al menos  en estas series sabes que es todo mentira.BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=3f5e5611-293f-4f00-a4f2-e484de387fdbThu, 04 Apr 2013 23:28:02 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c6753f5e5611-293f-4f00-a4f2-e484de387fdbBlogArticleD859B55754AB1683012013-04-05T06:28:02.617El pasado mes de enero Steven Soderbergh cumplió 50 años. El director, abanderado del nuevo cine independiente de finales de los 80, aseguró estar cansado de los manejos de la industria y desencantado con la situación actual del cine. Era un aviso de que tenía pensado 'colgar' la cámara. No es la primera vez que Soderbergh amenaza con dejarlo, y no es el primer director que amaga con no volver a dirigir -ahí está Kevin Smith- aludiendo a su falta de motivación. De momento hay una cosa clara. Soderbergh tiene nueva película, algo a lo que siempre hay que prestarle por lo menos atención; se titula 'Efectos secundarios' y si es la última será una despedida notable del mundo del cine. Con este trabajo, el director mira al Hitchcock de 'Falso culpable' y al Brian DePalma de 'Doble cuerpo', para dar forma a un thriller sofisticado que, en el fondo, es también un homenaje a una forma de entender el género que triunfó a comienzos de los 90 con títulos ya clásicos (aunque denostados por algunos) como 'Atracción fatal', 'Al filo de la sospecha' o 'Acoso'. Tanto se refleja en el espejo de estos títulos que incluso se desprende alguna intención moral o aleccionadora, que supera el thriller, y que no deja de ser un guiño con connotaciones irónicas a aquella época de moral mucho más conservadora. Soderbergh da de nuevo muestras de su facilidad para amoldarse a los patrones de casi cualquier género comercial. Desde las artes marciales al cine de catástrofes, pasando por el cine negro. Este es un film noir ambientado en el mundo de la psiquiatría -se viene a la cabeza 'Análisis final', un clásico de la época, protagonizado por un doctor (Jude Law), su paciente (Rooney Mara) acusada de haber matado a su marido (Channing Tatum), y la antigua doctora de ésta (Catherine Zeta Jones). Es decir, elementos que podrían estar en cualquier thriller de finales de los ochenta. Y Soderbergh parece disfrutar como un niño pequeño con esa concatenación de giros en el guión y de vueltas de tuerca en la trama, que tienen al espectador en vilo. Y lo hace con esa habilidad suya que igual le permite narrar una película de artes marciales ('Indomable'), como un film de tintes apocalípticos ('Contagio') o adaptarse a los gustos de Hollywood y del gran público ('Erin Brokovich'). Porque si en algo ha destacado Soderbergh a lo largo de casi 30 años de carrera ha sido por ser un gran narrador y, sobre todo, un director eficaz y rápido, que entrega una película cada temporada y siempre con un nivel notable. Y cuenta con un grupo ya de 'sospechosos habituales' entre los que están George Clooney, Matt Damon, Catherine Zeta Jones, Michale Douglas, Julia Roberts y ahora Channig Tatum, que igual protagonizan sus películas que ejercen como productores ejecutivos. El propio Soderbergh se encarga de firmar la dirección de fotografía de sus películas, bajo el nombre de Peter Andrews, y del montaje, lo que abarata las producciones y, sobre todo, agiliza el ritmo de producción. Si 'Efectos secundarios' es su testamento, habremos perdido a lo más parecido a un artesano que ha habido en la últimas generaciones de directores en EEUU. Capaz de salir del cine 'indie' ('Sexo, mentiras y cintas de video') y abrazar el mainstream con clase ('Oncean's Eleven'). La clave es no hacer mucho caso a su amenaza. Seguro que vuelve. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: The Thermals ('Now we can see')El pasado mes de enero Steven Soderbergh cumplió 50 años. El director, abanderado del nuevo cine independiente de finales de los 80, aseguró estar cansado de los manejos de la industria y desencantado con la situación actual del cine. Era un aviso de que tenía pensado 'colgar' la cámara. No es la primera vez que Soderbergh amenaza con dejarlo, y no es el primer director que amaga con no volver a dirigir -ahí está Kevin Smith- aludiendo a su falta de motivación. De momento hay una cosa clara. Soderbergh tiene nueva película, algo a lo que siempre hay que prestarle por lo menos atención; se titula 'Efectos secundarios' y si es la última será una despedida notable del mundo del cine. Con este trabajo, el director mira al Hitchcock de 'Falso culpable' y al Brian DePalma de 'Doble cuerpo', para dar forma a un thriller sofisticado que, en el fondo, es también un homenaje a una forma de entender el género que triunfó a comienzos de los 90 con títulos ya clásicos (aunque denostados por algunos) como 'Atracción fatal', 'Al filo de la sospecha' o 'Acoso'. Tanto se refleja en el espejo de estos títulos que incluso se desprende alguna intención moral o aleccionadora, que supera el thriller, y que no deja de ser un guiño con connotaciones irónicas a aquella época de moral mucho más conservadora. Soderbergh da de nuevo muestras de su facilidad para amoldarse a los patrones de casi cualquier género comercial. Desde las artes marciales al cine de catástrofes, pasando por el cine negro. Este es un film noir ambientado en el mundo de la psiquiatría -se viene a la cabeza 'Análisis final', un clásico de la época, protagonizado por un doctor (Jude Law), su paciente (Rooney Mara) acusada de haber matado a su marido (Channing Tatum), y la antigua doctora de ésta (Catherine Zeta Jones). Es decir, elementos que podrían estar en cualquier thriller de finales de los ochenta. Y Soderbergh parece disfrutar como un niño pequeño con esa concatenación de giros en el guión y de vueltas de tuerca en la trama, que tienen al espectador en vilo. Y lo hace con esa habilidad suya que igual le permite narrar una película de artes marciales ('Indomable'), como un film de tintes apocalípticos ('Contagio') o adaptarse a los gustos de Hollywood y del gran público ('Erin Brokovich'). Porque si en algo ha destacado Soderbergh a lo largo de casi 30 años de carrera ha sido por ser un gran narrador y, sobre todo, un director eficaz y rápido, que entrega una película cada temporada y siempre con un nivel notable. Y cuenta con un grupo ya de 'sospechosos habituales' entre los que están George Clooney, Matt Damon, Catherine Zeta Jones, Michale Douglas, Julia Roberts y ahora Channig Tatum, que igual protagonizan sus películas que ejercen como productores ejecutivos. El propio Soderbergh se encarga de firmar la dirección de fotografía de sus películas, bajo el nombre de Peter Andrews, y del montaje, lo que abarata las producciones y, sobre todo, agiliza el ritmo de producción. Si 'Efectos secundarios' es su testamento, habremos perdido a lo más parecido a un artesano que ha habido en la últimas generaciones de directores en EEUU. Capaz de salir del cine 'indie' ('Sexo, mentiras y cintas de video') y abrazar el mainstream con clase ('Oncean's Eleven'). La clave es no hacer mucho caso a su amenaza. Seguro que vuelve. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: The Thermals ('Now we can see')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=db1c1b7a-29b3-42b4-9984-2035010b4ffeTue, 02 Apr 2013 05:03:58 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675db1c1b7a-29b3-42b4-9984-2035010b4ffeBlogArticleD859B55754AB1683122013-04-01T18:56:21.223Con los grandes ídolos existe siempre el miedo (muchas veces justificado) de que sus nuevos trabajos no estén a la altura de su gigantesca leyenda. Y es que muchos artistas se dejan llevar por esa especie de cuesta abajo que desciende desde la fama, para exprimir su carrera a base de rentables giras y algo de material inédito bien dosificado entre los inevitables discos recopilatorios. En las últimas semanas hemos recibido los nuevos trabajos de algunas de esas figuras. Unos mueven masas (Depeche Mode), otros generan movimientos casi de culto (Nick Cave & The Bad Seeds) y el último ha sido un ídolo para varias generaciones de amantes de la música pop-rock convertida en movimiento cultural (Bowie). La sorpresa es que todos han cumplido con nota con las expectativas y han firmado discos que merecen estar ya (y estamos en abril) entre lo mejor del año. 'The next day' es el título del último trabajo de David Bowie. Diez años ha habido que esperar para que El Duque Blanco entregara nuevo material, que fue precedido a lo largo del mes de enero del lanzamiento casi inesperado de dos brillantes singles: We are we now y The stars (are out tonight). David Bowie se tomó un tiempo de descanso, tras los problemas de salud que sufrió en 2004. Los rumores a lo largo de este tiempo apuntaban a que no estaba recuperado y que podría haber abandonado la música de forma definitiva. Sin embargo, este auténtico camaleón estaba trabajando en absoluto secreto en los temas de 'The next day'. Junto con su colaborador habitual Toni Visconti -y la ayuda de varios músicos amigos- registraron el regreso triunfal de Bowie, con un trabajo que supone un viaje por los estilos musicales (glam-rock, funk, pop soulero...) que han marcado su carrera. La crítica se ha rendido de nuevo al músico, porque sus fans siempre le han demostrado fidelidad, y 'The next day' se incluye entre los mejor hecho por Bowie en los últimos tiempos. Otros que siempre han contado con el favor de sus fans, sólo hay que ver el éxito de sus gigantescas giras, son Depeche Mode. También su líder, David Gahan, ha superado los problemas de salud que tuvo a mediados de la pasada década. Y también se encuentra en plena forma. Gahan vuelve a colaborar con Martin L. Gore (el genio rubio en la sombra) en la escritura de 'Delta Machine', un álbum que explora la relación entre soul, blues y electrónica y que se emparenta, salvando las distancias, con aquel mítico 'Songs of Faith and Devotion' (1993). Como todos los trabajos del grupo de Basildon (Inglaterra), este 'Delta Machine' también tiene varios temas de esos que se convierten en clásicos inmediatos del repertorio en directo (Welcome to my world o Soft Touch/Raw Nerve) pero, por encima de todo, es un disco que ofrece unos niveles de experimentación que la banda parecía haber perdido en los algo irregulares 'Sounds of the Universe' (2009) o 'Playing the Angel' (2005). El que no ha perdido el tiempo, y parece ser que tampoco la inspiración, es Nick Cave. Tras cerrar Grinderman, su proyecto de amigotes rockeros, y seguir con su carrera como compositor de bandas sonoras junto a Warren Ellis, este año ha recuperado a The Bad Seeds. La combinación de Cave y sus 'malas semillas' es explosiva, aunque más tranquila y reposada que antaño. 'Push the sky away' es un buen resumen del talento como compositor e interprete de Cave, que también deja ese espacio que tanto se agradece para que se luzcan sus ya míticos Bad Seeds. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Julio de la Rosa ('Colecciono sabotajes')Pues nada, que vayan aprendiendo las nuevas generaciones, que lo difícil, no es tener éxito, si no mantenerlo, y éstos, David Bowie, Depeche Mode o Bon Jovi, por citar sólo algunos, son un buen ejemplo de ello.BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=c0bb1195-206e-4a18-b4dd-d8629ad4cff3Wed, 27 Mar 2013 14:37:16 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675c0bb1195-206e-4a18-b4dd-d8629ad4cff3BlogArticleD859B55754AB1683012013-03-27T21:37:16.223En 1960, Alfred Hitchcock dejó a los espectadores sin aliento con el asesinato de Janet Leigh en una ducha, mientras sonaba la inolvidable partitura de Bernard Herrmann. El mago del suspense lo había vuelto a hacer. Había conseguido cambiar el ritmo del público, dejando fuera de juego a la que se suponía que era la protagonista principal antes de la mitad de la película. Pero es que en 'Psicosis' el que importaba era Norman Bates. Es decir, el asesino era la estrella. Tomando como punto de partida la novela de Robert Bloch, el director británico consiguió una obra en la que el terror se fundía con el retrato de la personalidad del asesino en serie. Un camino que el cine ha explorado en las siguientes décadas con asiduidad, dando forma a todo un subgénero con psicópatas de todo tipo como grandes protagonistas de la función. En el caso de 'Psicosis', la inspiración venía de Ed Gein, un serial killer conocido por su afición a coleccionar cadáveres. Su huella se puede seguir desde 'La matanza de Texas' hasta el Buffalo Bill de 'El silencio de los corderos'. Después de varias continuaciones, y un remake plano a plano de Gus Van Sant, parecía que el papel que interpretó Anthony Perkins, y que marcaría su carrera, estaba más que amortizado. Sin embargo, la televisión estadounidense ha decidido convertirlo en uno de los grandes protagonistas de esta temporada. La cadena A&E ha puesto en marcha un ejercicio de 'revival cinéfilo' (y también morboso) indagando en sus años de juventud con la serie 'Bates Motel', que se estrenó la semana pasada en EEUU. El primer capítulo comienza con la muerte del padre de Norman y el traslado, junto a su madre, hasta lo que se va a convertir en el motel del terror. Los que hayan visto la película sabrán el papel determinante que su progenitora ejerció sobre él. Y eso es precisamente lo que trata de explicar, al menos en su arranque, esta serie que ha logrado una notable acogida de público. Ambientada en la actualidad, muestra a su protagonista como un adolescente más, que trata de integrarse en la vida de un nuevo instituto entre fiestas y flirteos con las chicas. Por ahí, 'Bates Motel' parece una subtrama de cualquier serie 'teen' al uso. Sin embargo, en casa convive con una madre opresiva y estricta en sus normas (¿justificará esto su comportamiento futuro?), pero sobre todo allí entrará en contacto con el mundo del crimen. 'Bates Motel' está ambientada en la actualidad, pero tiene un curioso planteamiento 'retro' -con una iluminación y escenografía que recuerdan a los 60-, que afecta sobre todo a las escenas que se desarrollan en el famoso hotel de carretera, reproducido a imagen del que popularizó Hitchcock en la gran pantalla. No es el único guiño al universo de 'Hitch'. En el primer capítulo, el espectador ya puede ver la famosa ducha donde moría Marion (Leigh) y escucha unar banda sonora que recuerda a Herrmann. Por encima de todo, está la presencia de Vera Farmiga, una actriz que encarna a la perfección el modelo de mujer que tanto gustaba al director. Con el pelo rubio, como mandaban los cánones de sir Alfred, Farmiga afronta un rol que se mueve entre la frialdad de una asesina y la dulzura materna. Frente a ella, Freddie Highmore, que parece un clon juvenil de Anthony Perkins y que demuestra que ya no es el niño de 'Charlie y la fábrica de chocolate'. Ambos protagonizan un estimulante estreno. Sólo hay que esperar que sus creadores, que tienen en su currículum series como 'Perdidos', nos convenzan para alojarnos en el 'Bates Motel'. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Foxygen ('San Francisco')En 1960, Alfred Hitchcock dejó a los espectadores sin aliento con el asesinato de Janet Leigh en una ducha, mientras sonaba la inolvidable partitura de Bernard Herrmann. El mago del suspense lo había vuelto a hacer. Había conseguido cambiar el ritmo del público, dejando fuera de juego a la que se suponía que era la protagonista principal antes de la mitad de la película. Pero es que en 'Psicosis' el que importaba era Norman Bates. Es decir, el asesino era la estrella. Tomando como punto de partida la novela de Robert Bloch, el director británico consiguió una obra en la que el terror se fundía con el retrato de la personalidad del asesino en serie. Un camino que el cine ha explorado en las siguientes décadas con asiduidad, dando forma a todo un subgénero con psicópatas de todo tipo como grandes protagonistas de la función. En el caso de 'Psicosis', la inspiración venía de Ed Gein, un serial killer conocido por su afición a coleccionar cadáveres. Su huella se puede seguir desde 'La matanza de Texas' hasta el Buffalo Bill de 'El silencio de los corderos'. Después de varias continuaciones, y un remake plano a plano de Gus Van Sant, parecía que el papel que interpretó Anthony Perkins, y que marcaría su carrera, estaba más que amortizado. Sin embargo, la televisión estadounidense ha decidido convertirlo en uno de los grandes protagonistas de esta temporada. La cadena A&E ha puesto en marcha un ejercicio de 'revival cinéfilo' (y también morboso) indagando en sus años de juventud con la serie 'Bates Motel', que se estrenó la semana pasada en EEUU. El primer capítulo comienza con la muerte del padre de Norman y el traslado, junto a su madre, hasta lo que se va a convertir en el motel del terror. Los que hayan visto la película sabrán el papel determinante que su progenitora ejerció sobre él. Y eso es precisamente lo que trata de explicar, al menos en su arranque, esta serie que ha logrado una notable acogida de público. Ambientada en la actualidad, muestra a su protagonista como un adolescente más, que trata de integrarse en la vida de un nuevo instituto entre fiestas y flirteos con las chicas. Por ahí, 'Bates Motel' parece una subtrama de cualquier serie 'teen' al uso. Sin embargo, en casa convive con una madre opresiva y estricta en sus normas (¿justificará esto su comportamiento futuro?), pero sobre todo allí entrará en contacto con el mundo del crimen. 'Bates Motel' está ambientada en la actualidad, pero tiene un curioso planteamiento 'retro' -con una iluminación y escenografía que recuerdan a los 60-, que afecta sobre todo a las escenas que se desarrollan en el famoso hotel de carretera, reproducido a imagen del que popularizó Hitchcock en la gran pantalla. No es el único guiño al universo de 'Hitch'. En el primer capítulo, el espectador ya puede ver la famosa ducha donde moría Marion (Leigh) y escucha unar banda sonora que recuerda a Herrmann. Por encima de todo, está la presencia de Vera Farmiga, una actriz que encarna a la perfección el modelo de mujer que tanto gustaba al director. Con el pelo rubio, como mandaban los cánones de sir Alfred, Farmiga afronta un rol que se mueve entre la frialdad de una asesina y la dulzura materna. Frente a ella, Freddie Highmore, que parece un clon juvenil de Anthony Perkins y que demuestra que ya no es el niño de 'Charlie y la fábrica de chocolate'. Ambos protagonizan un estimulante estreno. Sólo hay que esperar que sus creadores, que tienen en su currículum series como 'Perdidos', nos convenzan para alojarnos en el 'Bates Motel'. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Foxygen ('San Francisco')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=16005918-83e3-4f9b-a221-1314f92ebf84Sun, 24 Mar 2013 01:26:38 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c67516005918-83e3-4f9b-a221-1314f92ebf84BlogArticleD859B55754AB1683012013-03-24T08:26:38.517Los hermanos Pastor firmaron un brillante debut con 'Infectados' ('Carriers') en 2009. Los directores catalanes obtuvieron el dinero para su primera película en EEUU y rodaron con reparto de allí una road movie de tintes terroríficos. En ella cuatro jóvenes huían de un virus sin identificar que se estaba 'cargando' a la humanidad; esa situación de pre-apocalipsis se repite en parte en su segunda película, 'Los últimos días'. Aunque con algunas diferencias. Álex y David ruedan en España, con un equipo técnico y artístico de aquí. Y ahora cambian las clásicas y solitarias autopistas secundarias de EEUU por las calles de Barcelona. Los directores vuelven a dar muestra de su talento visual al retratar cómo los habitantes de la ciudad sobreviven tras un ataque de agorafobia mundial, que los obliga a permanecer encerrados en los edificios de oficinas, las casas, los centros comerciales o en los túneles del Metro. Esa visión de la ciudad resquebrajándose y perdiendo su identidad es el gran acierto del film, protagonizado por Quim Gutiérrez y José Coronado, solventes en su papel de héroes involuntarios. 'Los últimos días' arranca de forma brillante, pero luego va perdiendo intensidad cuando transita del género fantástico hacia el drama intimista. Sin embargo, no hay que quitarle el mérito de ser una de las pocas muestras de cine apocalíptico -también podrían valer a su manera 'El día de la bestia' o 'Extraterrestre'- producido aquí. Así, 'Los últimos días' se une a una larga lista de películas sobre el film del mundo que han llegado a nuestros cines en la última década. Esta moda tuvo su colofón con el estreno de '2012'. La película de Roland Emmerich se adelantaba -en plan mal augurio en 2009-, a la profecía Maya que decía que el pasado año se acabaría el mundo. Brillante estrategia de marketing, que, sin embargo, no podía justificar el disparatado planteamiento del film. Pero dejando de lado las grandes producciones, también hay películas 'anticipativas' que han utilizado los últimos días de la humanidad como escenario para plantear otro tipo de cuestiones. Es el caso de 'Melancolía' (2011), en la que Lars von Trier nos tenía pendientes de un planeta que se precipitaba sobre la Tierra, mientras diseccionaba la relación entre dos hermanas (Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg) sumidas en sus particulares crisis existenciales. También iba más allá del género John Hillcoat con 'La carretera' (2009). A partir de la soberbia novela de Cormac McCarthy y con banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis, la ciencia ficción mutaba aquí en el vehículo perfecto para narrar la historia de un padre (Viggo Mortensen) y su hijo, luchando para sobrevivir en una sociedad en la que los hombres se han vuelto lobos, tras un accidente que ha traído al mundo un invierno eterno. Otro film que da la vuelta a los planteamientos típicos del género, es decir, que huye de la acción para buscar caminos nuevos e inexplorados, es 'Take Shelter' (2011), de Jeff Nichols, en la que Michael Shannon comienza a tener extrañas visiones y convencido de que todo acaba, decide construir un refugio para su familia. Y, para terminar esta selección de títulos, 'Hijos de los hombres' (2006), donde el mexicano Alfonso Cuarón proponía un futuro poco alentador, con la humanidad al borde de la desaparición por la imposibilidad de procrear. Y, como vemos con el estreno de 'Los últimos días', el cine sigue pensando que la Tierra está en peligro constante. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Bleached ('Next Stop')Los hermanos Pastor firmaron un brillante debut con 'Infectados' ('Carriers') en 2009. Los directores catalanes obtuvieron el dinero para su primera película en EEUU y rodaron con reparto de allí una road movie de tintes terroríficos. En ella cuatro jóvenes huían de un virus sin identificar que se estaba 'cargando' a la humanidad; esa situación de pre-apocalipsis se repite en parte en su segunda película, 'Los últimos días'. Aunque con algunas diferencias. Álex y David ruedan en España, con un equipo técnico y artístico de aquí. Y ahora cambian las clásicas y solitarias autopistas secundarias de EEUU por las calles de Barcelona. Los directores vuelven a dar muestra de su talento visual al retratar cómo los habitantes de la ciudad sobreviven tras un ataque de agorafobia mundial, que los obliga a permanecer encerrados en los edificios de oficinas, las casas, los centros comerciales o en los túneles del Metro. Esa visión de la ciudad resquebrajándose y perdiendo su identidad es el gran acierto del film, protagonizado por Quim Gutiérrez y José Coronado, solventes en su papel de héroes involuntarios. 'Los últimos días' arranca de forma brillante, pero luego va perdiendo intensidad cuando transita del género fantástico hacia el drama intimista. Sin embargo, no hay que quitarle el mérito de ser una de las pocas muestras de cine apocalíptico -también podrían valer a su manera 'El día de la bestia' o 'Extraterrestre'- producido aquí. Así, 'Los últimos días' se une a una larga lista de películas sobre el film del mundo que han llegado a nuestros cines en la última década. Esta moda tuvo su colofón con el estreno de '2012'. La película de Roland Emmerich se adelantaba -en plan mal augurio en 2009-, a la profecía Maya que decía que el pasado año se acabaría el mundo. Brillante estrategia de marketing, que, sin embargo, no podía justificar el disparatado planteamiento del film. Pero dejando de lado las grandes producciones, también hay películas 'anticipativas' que han utilizado los últimos días de la humanidad como escenario para plantear otro tipo de cuestiones. Es el caso de 'Melancolía' (2011), en la que Lars von Trier nos tenía pendientes de un planeta que se precipitaba sobre la Tierra, mientras diseccionaba la relación entre dos hermanas (Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg) sumidas en sus particulares crisis existenciales. También iba más allá del género John Hillcoat con 'La carretera' (2009). A partir de la soberbia novela de Cormac McCarthy y con banda sonora de Nick Cave y Warren Ellis, la ciencia ficción mutaba aquí en el vehículo perfecto para narrar la historia de un padre (Viggo Mortensen) y su hijo, luchando para sobrevivir en una sociedad en la que los hombres se han vuelto lobos, tras un accidente que ha traído al mundo un invierno eterno. Otro film que da la vuelta a los planteamientos típicos del género, es decir, que huye de la acción para buscar caminos nuevos e inexplorados, es 'Take Shelter' (2011), de Jeff Nichols, en la que Michael Shannon comienza a tener extrañas visiones y convencido de que todo acaba, decide construir un refugio para su familia. Y, para terminar esta selección de títulos, 'Hijos de los hombres' (2006), donde el mexicano Alfonso Cuarón proponía un futuro poco alentador, con la humanidad al borde de la desaparición por la imposibilidad de procrear. Y, como vemos con el estreno de 'Los últimos días', el cine sigue pensando que la Tierra está en peligro constante. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Bleached ('Next Stop')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=f80f7284-90b1-4c2c-930f-6ff73613ed75Wed, 20 Mar 2013 15:51:24 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675f80f7284-90b1-4c2c-930f-6ff73613ed75BlogArticleD859B55754AB1683012013-03-20T22:51:24.877Un Premio Nacional de Fotografía como Alberto García-Alix muestra su particular visión de Asturias en la exposición 'Patria Querida', que acoge el Centro Conde Duque de Madrid. Por encargo de la fundación María Cristina Masaveu Peterson, dentro de un proyecto en el que también participarán otros artistas, el fotógrafo viajó hasta tierras asturianas para dar testimonio a través de su objetivo de sus paisajes, arquitecturas y gentes. El resultado es una mirada muy particular de un fotógrafo que siempre suele desarrollar su obra en espacio urbanos, y que transcurre "entre la realidad y la alegoría". Al final, el visitante participa en una suerte de relato en el que los ojos del artista sirven como guía de este viaje fotográfico. La muestra se podrá visitar de forma gratuita hasta el próximo 5 de mayo. En la Fundación Canal también de la capital, hasta el 14 de abril, se puede contemplar el trabajo que realizó David Hockney en 1969 a partir de seis cuentos de los hermanos Grimm. El británico, uno de los artistas vivos más cotizados de la actualidad, ha desarrollado su obra en disciplinas como la pintura, la fotografía o la escenografía. En este caso se trata de 39 grabados en los que, más allá de ilustrar un cuento, Hockney busca transmitir una determinada emoción a través de una escena concreta de 'Rapunzel', 'Juan Sin Miedo', 'Rumplestiltskin', 'El Enano Saltarín', 'El viejo Rinkrank', 'El Lebrato Marino' y 'Piñoncito'. La exposición 'David Hockney. Seis cuentos de los hermanos Grimm' coincide con el estreno de 'Hansel y Gretel, cazadores de brujas', una adaptación bastante libre de uno de los cuentos más populares de los escritores y que puede ser un buen complemento tras visitar esta muestra. Paul Klee es el protagonista de una de las exposiciones más interesantes y ambiciosas que se inauguran esta primavera. La Fundación Juan March repasa en 'Paul Klee: maestro de la Bauhaus' la labor pedagógica llevada a cabo por el pintor suizo en este prestigioso centro alemán entre 1920 y 1931. El centro madrileño acoge una muestra en la que se puede acceder a la vida y la obra de esta figura central del arte del siglo XX a través de sus creaciones, pero también de objetos personales y abundante documentación relativa a su período como docente en la Bauhaus. La muestra permanecerá abierta hasta el próximo mes de junio. En los dos centro más visitados de la capital, la actividad de exposiciones temporales también cuenta con una sugerente oferta de cara a estas vacaciones de Semana Santa. En el Museo del Prado está a punto de clausurarse la muestra dedicada a 'El joven Van Dyck' (finalmente se ha decidido prorrogar hasta el 31 de marzo). En las salas de la pinacoteca nacional se pueden contemplar los trabajos realizados por el maestro belga desde que inició su aprendizaje en 1609 y su decisivo paso por el taller de Rubens. También en el Museo del Prado permanece 'Juan Fernández El Labrador. Naturalezas muertas', que recupera la obra de este enigmático personaje que desarrolló su actividad durante el siglo XVII y del que se conservan pocas obras, todas marcadas por su acusado carácter naturalista. Para terminar este repaso a las exposiciones de estas vacaciones, no hay que olvidar que siguen abiertas las exposiciones dedicadas al impresionismo en el Museo Thyssen y en la Fundación Mapfre. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Esemble Pearl ('Paiting on a corpse')Un Premio Nacional de Fotografía como Alberto García-Alix muestra su particular visión de Asturias en la exposición 'Patria Querida', que acoge el Centro Conde Duque de Madrid. Por encargo de la fundación María Cristina Masaveu Peterson, dentro de un proyecto en el que también participarán otros artistas, el fotógrafo viajó hasta tierras asturianas para dar testimonio a través de su objetivo de sus paisajes, arquitecturas y gentes. El resultado es una mirada muy particular de un fotógrafo que siempre suele desarrollar su obra en espacio urbanos, y que transcurre "entre la realidad y la alegoría". Al final, el visitante participa en una suerte de relato en el que los ojos del artista sirven como guía de este viaje fotográfico. La muestra se podrá visitar de forma gratuita hasta el próximo 5 de mayo. En la Fundación Canal también de la capital, hasta el 14 de abril, se puede contemplar el trabajo que realizó David Hockney en 1969 a partir de seis cuentos de los hermanos Grimm. El británico, uno de los artistas vivos más cotizados de la actualidad, ha desarrollado su obra en disciplinas como la pintura, la fotografía o la escenografía. En este caso se trata de 39 grabados en los que, más allá de ilustrar un cuento, Hockney busca transmitir una determinada emoción a través de una escena concreta de 'Rapunzel', 'Juan Sin Miedo', 'Rumplestiltskin', 'El Enano Saltarín', 'El viejo Rinkrank', 'El Lebrato Marino' y 'Piñoncito'. La exposición 'David Hockney. Seis cuentos de los hermanos Grimm' coincide con el estreno de 'Hansel y Gretel, cazadores de brujas', una adaptación bastante libre de uno de los cuentos más populares de los escritores y que puede ser un buen complemento tras visitar esta muestra. Paul Klee es el protagonista de una de las exposiciones más interesantes y ambiciosas que se inauguran esta primavera. La Fundación Juan March repasa en 'Paul Klee: maestro de la Bauhaus' la labor pedagógica llevada a cabo por el pintor suizo en este prestigioso centro alemán entre 1920 y 1931. El centro madrileño acoge una muestra en la que se puede acceder a la vida y la obra de esta figura central del arte del siglo XX a través de sus creaciones, pero también de objetos personales y abundante documentación relativa a su período como docente en la Bauhaus. La muestra permanecerá abierta hasta el próximo mes de junio. En los dos centro más visitados de la capital, la actividad de exposiciones temporales también cuenta con una sugerente oferta de cara a estas vacaciones de Semana Santa. En el Museo del Prado está a punto de clausurarse la muestra dedicada a 'El joven Van Dyck' (finalmente se ha decidido prorrogar hasta el 31 de marzo). En las salas de la pinacoteca nacional se pueden contemplar los trabajos realizados por el maestro belga desde que inició su aprendizaje en 1609 y su decisivo paso por el taller de Rubens. También en el Museo del Prado permanece 'Juan Fernández El Labrador. Naturalezas muertas', que recupera la obra de este enigmático personaje que desarrolló su actividad durante el siglo XVII y del que se conservan pocas obras, todas marcadas por su acusado carácter naturalista. Para terminar este repaso a las exposiciones de estas vacaciones, no hay que olvidar que siguen abiertas las exposiciones dedicadas al impresionismo en el Museo Thyssen y en la Fundación Mapfre. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Esemble Pearl ('Paiting on a corpse')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=ee370fe8-5a3d-4ac5-b1ab-a5d5fe476cf5Mon, 18 Mar 2013 03:03:46 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675ee370fe8-5a3d-4ac5-b1ab-a5d5fe476cf5BlogArticleD859B55754AB1683012013-03-18T10:03:46.873'The Americans' estaba considerada una de las series a las que había que estar muy atento en este 2013. Aprovechando la espera para las siguientes temporadas de 'Juego de tronos' y 'Mad Men' -que se van a llevar todo el protagonismo de la primavera catódica-, el canal estadounidense FX lanzó a finales de enero esta serie y el resultado fueron casi 5 millones de espectadores, más el apoyo de la crítica Además ya se ha anunciado el rodaje de una segunda temporada, sinónimo de que la serie ha convencido también a sus productores. En España, hace unos días, Fox confirmaba que la emitirá, aunque todavía no ha anunciado su fecha de estreno. Pero, ¿cuáles son los secretos que se esconden tras 'The Americans'? Joseph Weisberg, guionista de 'Damages' o 'Falling Skies', sitúa la acción de su serie en 1981, en plena Guerra Fría. Ronald Reagan acaba de subir al poder y la tensión entre bloques mundiales va en aumento. Otra vez el fantasma de una guerra mundial (motivada por las armas nucleares) está más presente que nunca. En ese clima pre-bélico, dos agentes 'durmientes' de la KGB en EEUU reciben el encargo de secuestrar a un espía ruso que ha decidido cambiar de bando. Este es el punto de partida de la serie, y también un resumen de sus elementos distintivos. Se trata de una serie ambientada en los 80 y con una estética (sin ir más lejos, su banda sonora) que remite a los gustos de aquella época. A nivel visual, es una ejercicio de recuperación de códigos muy parecido al llevado a cabo por Ben Affleck en 'Argo'. Curiosamente, la crisis diplomática provocada por los rehenes de Irán aparece citada en el capítulo piloto de la serie. 'The Americans' se desarrolla en Washignton DC. El centro de poder de EEUU se está convirtiendo en la ciudad de moda en la televisión estadounidense, como lo demuestran también 'House of Cards' o 'Homeland'. Quizá el éxito de esta última haya propiciado que el público se muestre más receptivo ante un género como el thriller político. Pero no es la única conexión entre ambas series. Tanto en 'Homeland' como en 'The Americans', la confusión de identidades y la resolución de los misterios del pasado a través de flashbacks son los puntos de giro que ayudan a avanzar la trama y que mantienen activa la tensión del relato. Y también como en 'Homeland' -y en el cine 'La noche más oscura' o la propia 'Argo'-, se descubre la forma de actuar de las agencias de inteligencia estadounidenses. Pero el gran atractivo de 'The Americans', su rasgo distintivo, es que su pareja protagonista son dos espías rusos que viven integrados en la sociedad como una familia americana más junto con sus dos hijos, que, por supuesto, desconocen la doble identidad de sus padres. Es un punto de partida muy parecido a 'Espias sin identidad' ('Little Nikita'), la película de 1988, protagonizada por Sidney Poitier y River Phoenix. Sólo que en este caso está narrada desde la óptica de los padres, en lugar desde la del hijo. La pareja de sorprendentes espías -ambos son una verdadera caja de sorpresas y están entrenados para cumplir sus misiones hasta las últimas consecuencias- están interpretados por Keri Russell ('Felicity') y Matthew Rhys ('Cinco hermanos'). Dos americanos de los que vamos a oír hablar mucho en los próximos meses. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Motorama ('White Light')'The Americans' estaba considerada una de las series a las que había que estar muy atento en este 2013. Aprovechando la espera para las siguientes temporadas de 'Juego de tronos' y 'Mad Men' -que se van a llevar todo el protagonismo de la primavera catódica-, el canal estadounidense FX lanzó a finales de enero esta serie y el resultado fueron casi 5 millones de espectadores, más el apoyo de la crítica Además ya se ha anunciado el rodaje de una segunda temporada, sinónimo de que la serie ha convencido también a sus productores. En España, hace unos días, Fox confirmaba que la emitirá, aunque todavía no ha anunciado su fecha de estreno. Pero, ¿cuáles son los secretos que se esconden tras 'The Americans'? Joseph Weisberg, guionista de 'Damages' o 'Falling Skies', sitúa la acción de su serie en 1981, en plena Guerra Fría. Ronald Reagan acaba de subir al poder y la tensión entre bloques mundiales va en aumento. Otra vez el fantasma de una guerra mundial (motivada por las armas nucleares) está más presente que nunca. En ese clima pre-bélico, dos agentes 'durmientes' de la KGB en EEUU reciben el encargo de secuestrar a un espía ruso que ha decidido cambiar de bando. Este es el punto de partida de la serie, y también un resumen de sus elementos distintivos. Se trata de una serie ambientada en los 80 y con una estética (sin ir más lejos, su banda sonora) que remite a los gustos de aquella época. A nivel visual, es una ejercicio de recuperación de códigos muy parecido al llevado a cabo por Ben Affleck en 'Argo'. Curiosamente, la crisis diplomática provocada por los rehenes de Irán aparece citada en el capítulo piloto de la serie. 'The Americans' se desarrolla en Washignton DC. El centro de poder de EEUU se está convirtiendo en la ciudad de moda en la televisión estadounidense, como lo demuestran también 'House of Cards' o 'Homeland'. Quizá el éxito de esta última haya propiciado que el público se muestre más receptivo ante un género como el thriller político. Pero no es la única conexión entre ambas series. Tanto en 'Homeland' como en 'The Americans', la confusión de identidades y la resolución de los misterios del pasado a través de flashbacks son los puntos de giro que ayudan a avanzar la trama y que mantienen activa la tensión del relato. Y también como en 'Homeland' -y en el cine 'La noche más oscura' o la propia 'Argo'-, se descubre la forma de actuar de las agencias de inteligencia estadounidenses. Pero el gran atractivo de 'The Americans', su rasgo distintivo, es que su pareja protagonista son dos espías rusos que viven integrados en la sociedad como una familia americana más junto con sus dos hijos, que, por supuesto, desconocen la doble identidad de sus padres. Es un punto de partida muy parecido a 'Espias sin identidad' ('Little Nikita'), la película de 1988, protagonizada por Sidney Poitier y River Phoenix. Sólo que en este caso está narrada desde la óptica de los padres, en lugar desde la del hijo. La pareja de sorprendentes espías -ambos son una verdadera caja de sorpresas y están entrenados para cumplir sus misiones hasta las últimas consecuencias- están interpretados por Keri Russell ('Felicity') y Matthew Rhys ('Cinco hermanos'). Dos americanos de los que vamos a oír hablar mucho en los próximos meses. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Motorama ('White Light')BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=209fdd19-e305-4c48-9b6a-c9fe7c7771d8Tue, 19 Mar 2013 03:57:25 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675209fdd19-e305-4c48-9b6a-c9fe7c7771d8BlogArticleD859B55754AB1683122013-03-14T21:54:14.04"Quiero que la gente se divierta viendo la película y que experimenten una sensación física. Quiero transmitir una especie de entretenimiento diferente. Por eso le doy tanta importancia a la imagen y el sonido". Estas son las palabras con las que Harmony Korine presentaba hace unos días 'Spring Breakers', su última película, en España. Korine es un auténtico 'enfant terrible' del cine estadounidense, un director que trabaja al filo del abismo como demostró en 'Gummo' o 'Trash Humpers', películas tan incómodas y arriesgadas (y también brillantes) que han acabado fuera del circuito comercial. La juventud siempre ha estado en el punto de mira de su obra -no en vano se dio a conocer con tan solo 19 años, gracias al guion de la polémica 'Kids', de Larry Clark- y es, precisamente, gracias a un grupo de jóvenes por quienes ha conseguido llegar al gran público y también hacerse un sitio en las carteleras. 'Spring Breakers' es el retrato del alucinado y alocado viaje que emprenden cuatro jóvenes para disfrutar de las vacaciones de primavera a las que hace alusión el título. Para conseguir el dinero no tienen mejor ocurrencia que atracar un puesto de comida. Cuando les pilla la policía y tienen que rendir cuentas ante un juez aparece en sus vidas un mafioso macarra (al que da vida un desfasado James Franco) que sí que les ofrece el pasaporte a unas vacaciones realmente locas. Este argumento, rodado con un estética pop y un ritmo demoledor, tiene a cuatro chicas -siempre en bikini- como grandes protagonistas. Ellas son Rachel Korine, esposa del director; Ashley Beson ('Pretty Little Liars'); Vanessa Hudgens ('High School Musical'); y Selena Gómez ('Los magos de Waverly Place'). Tanto Hudgens como Gómez son dos actrices (o hasta ahora proyecto de...) surgidas de la cantera de Disney, de las series televisivas para toda la familia. Y ahora Korine les ha cambiado el paso, invitándolas a una espiral de violencia y desfases de todo tipo. “No me pareció difícil cambiar de registro, soy una trabajadora del entretenimiento y me estoy haciendo mayor. 'Spring Breakers' era una oportunidad perfecta para crecer como actriz y estoy muy orgullosa de ello”, se defiende Selena Gómez en relación a su cambio de registro. Habrá que ver si su (supuesto) novio, el modosito Justin Bieber, ha visto con buenos ojos que su chica se pase al lado malo (y más divertido) del cine.   Ni Hudgens ni Gómez son las primeras estrellas del club Disney que tienen la necesidad de madurar tras su paso por esa auténtica factoría de generar estrellas precoces. Sin ir más lejos, ahí está el caso de Ryan Gosling. El canadiense se ha labrado una fama de tipo duro gracias a papeles como el del asesino de la cazadora de escorpión de 'Drive' y también se la ha jugado produciendo y protagonizando films independientes como 'Blue Valentine'.   También supieron encontrar su lugar en el mundo del 'show business' Justin Timberlake, como cantante de éxito y actor más que decente en 'La red social', o Christina Aguilera, que, aunque ahora no pase por sus mejores momentos, ha conseguido sus correspondientes números uno en las listas de ventas.   En esta cantera de estrellas también ha habido algún juguete roto. El más evidente, Britney Spears, al que se rinde homenaje en 'Spring Breakers'. Y actores que se han quedado a mitad de camino, como Zac Efron. O mejor dicho, que todavía no han encontrado la forma de liberarse de la sombra del éxito adolescente (en su caso 'High School Musical') y tener una imagen verdaderamente adulta. Aunque 'El chico del periódico', que también llega ahora a las carteleras, puede ser su particular 'Spring Breakers'. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Beach House ('Lazuli')Las cuatro están muy guapas.BlogArticlehttp://noticias.es.msn.com/blog/cultura/post.aspx?post=d8576164-05a5-4eee-8795-59047cb0de19Wed, 20 Mar 2013 10:19:26 -0700Fernando Bernaldbca582a-18a0-42a6-a63c-05966e49c675d8576164-05a5-4eee-8795-59047cb0de19BlogArticleD859B55754AB1683452013-03-11T18:43:16.35Whitechapel, situado en el East End londinense, aparece ahora en las guías como un lugar para visitar por sus galerías de arte, su mercadillo y el ambiente multicultural de sus calles. Y, como no, también está especialmente recomendado para todos aquellos que quieran seguir las huellas del Jack El Destripador. Incluso las agencias y las oficinas de turismo ofrecen rutas para poder recuperar la pista del asesino en serie por callejuelas y pubs, pese a que el barrio ha perdido ese aspecto deprimido y lúgubre que mostraba en 1888. Fue en ese año cuando comenzaron los asesinatos de mujeres que se atribuyeron al misterioso Jack, una personalidad que cine, literatura y televisión ha pretendido desvelar a lo largo de más de un siglo con hipótesis más o menos racionales que han ido apuntando a un miembro de la familia real, a un experimentado cirujano, a un célebre artista o a un acaudalado empresario. La última aportación a esta gigantesca y universal teoría de la conspiración la aporta la miniserie de la BBC, 'Ripper Street', que se sumerge en las calles de Whitechapel a finales del siglo XIX. La persecución del 'serial killer' corresponde en esta ocasión a los detectives que interpretan Matthew MacFadyen ('Orgullo y prejuicio') y Jerome Flynn ('Juego de Tronos'). Y el responsable de reescribir la historia ha sido Richard Warlow, creador de 'Caso cerrado'. La gran aportación de esta nueva serie, que se ha podido ver ya en Gran Bretaña y EEUU, es el ritmo de thriller contemporáneo y la estética moderna que imprime a una historia típicamente victoriana. Es verdad que Whitechapel sigue siendo ese lugar envuelto en niebla y donde las sombras acechan por la noche. Pero el lenguaje se adapta a los gustos de la televisión actual. El resultado es algo muy parecido a lo que Guy Ritchie llevó a cabo con sus dos adaptaciones de Sherlock Holmes, un personaje coetáneo de Jack y con el que en la ficción se ha topado más de una vez. Una de las más conseguidas fue 'Estudio de terror' ('A study in terror') de 1965. En el film de James Hill, un título a recuperar, Holmes y Watson ponen sus conocimientos y astucia al servicio de Scotland Yard para resolver el caso. Mucho más popular entre nosotros es 'Asesinato por decreto' (1978). Christopher Plummer (Holmes) y James Mason (Watson) y esa entrañable ambientación británica la convirtieron en un pequeño clásico. No va a pasar lo mismo -aunque cuenta con algunos defensores que reclaman más entregas- con 'Holmes & Watson: Madrid Days'. José Luis Garci ponía a los residentes del 221b de Baker Street tras la pista de Jack sólo como disculpa argumental para llevarlos de viaje hasta la capital española. El que sí se sumergió en profundidad en las calles de Whitechapel fue el escritor Alan Moore, que en el cómic 'From Hell' (1993-1997) consiguió, con la ayuda del dibujante de Eddie Campbell, uno de los mejores acercamientos a la figura del asesino. Lo de Moore y Campbell es una investigación en profundidad, que combina lo analítico (con documentación adjunta) con la tensión propia de la ficción. Con la frase "conmigo comienza el siglo XX", Jack se convirtió en un icono del cómic y tuvo su reflejo en la adaptación cinematográfica de los hermanos Hughes en 2001, en la que Johnny Depp interpretaba a un atormentado y complejo detective Abberline. A la espera de que 'Ripper Street' llegue a nuestras televisiones, se puede disfrutar de estos títulos y estas lecturas o, simplemente, escuchar las canciones que The Horrors, My Chemical Romance, o Morrisey le dedicaron al asesino. PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Umberto (Night Fantasy')¿Para que malgastar dinero público en investigaciones obsoletas? ¿De qué serviría descubrir quien fue Jack "El destripador"? ¿Meterás en la cárcel a los bisnietos de este (o estos) asesinos? ¿Podrán descansar en paz las prostitutas? Yo creo que es una tontería continuar con la investigación cuando ha pasado 125 años.BlogArticle