El 25 de mayo (sábado), Los Planetas tocarán íntegro en el Primavera Sound su tercer disco: ‘Una semana en el motor de un autobús’ (1998). Ese mismo día, el Borussia Dortmund y el Bayern de Munich lucharán en Wembley por ser el mejor equipo del continente. El horario que les ha puesto la organización (01:00 h.) impedirá que el partido coincida justo en el momento que suene ‘La Copa de Europa’, la canción que cerraba el disco. Seguro que si el Barça hubiera pasado a la final y la hubiera ganado, J. le habría dedicado el tema al equipo de sus amores.

 

De este modo, el cantante de los granadinos no tendrá que preocuparse por el resultado, aunque tendrá otro ‘match’. Reencontrarse con algunos temas que llevan años apartados de su repertorio y formaban parte de un disco que tanto los fans como los miembros del propio grupo consideran vital en la trayectoria ‘planetera’. En 1998, y tras ‘Super 8’ y ‘Pop’, Los Planetas se encontraban en ese punto en el que comenzaban a ser grandes para la etiqueta de indies, pero su propuesta seguía siendo tan arriesgada que las puertas del gran público se mantenían cerradas.

 

Fue una muestra de personalidad grabar una obra como ‘Una semana en el motor de un autobús’. Cierto que incluyó ciertas concesiones, como que la voz de J. no apareciera multiplicada en varias capas y, por lo tanto, las letras resultaran más fáciles de asimilar. Pero en esencia mantuvieron el espíritu que les había llevado a comandar (sin pedirlo) la revolución indie acontecida en la segunda parte de esa década final del siglo.

 

Pero también buscaron dar un paso adelante, no repetir el esquema de sus dos primeros trabajos, que ya habían sido un éxito aunque fuese minoritario. Por eso hicieron las maletas y se fueron a Nueva York para registrar el disco a las órdenes de Kurt Ralske. El productor, alma de Ultra Vivid Scene, consiguió elevar la propuesta de Los Planetas por encima de sus tradicionales guitarras, pero sin que perdieran su identidad.

 

El disco arranca con ‘Segundo Premio’, himno de la banda, en la que la batería de Eric Jiménez marca el paso. El músico ya había colaborado en la grabación de algunos temas de ‘Pop’, pero con ‘Una semana en el motor…’ se incorporó de manera definitiva a la banda, siendo ya un elemento distintivo de la misma. ‘Segundo premio’ fue uno de lo singles del disco, junto a ‘Cumpleaños total’ y ‘La playa’. Tres temas que escuchados ahora (en el Primavera Club ensayaron con algunos) siguen sonando igual de potentes y adictivos. Una buena noticia de cara al día 25.

 

Pero el trabajo, que se acaba de reeditar incluyendo varias maquetas, también tiene momentos estelares como 'Desaparecer', 'Un mundo de gente incompleta', 'Ciencia ficción', 'Montañas de basura', 'Toxicosmos' o 'Línea 1'. La crítica aceptó la madurez de Los Planetas y acogió tan bien el álbum como lo hicieron sus fans, por cierto, una de las hinchadas más fieles de la música en nuestro país.

 

Lo mejor es que el disco sigue igual de vivo e intenso que en 1998. Por él parece que no ha pasado el tiempo. Por eso J. y los suyos han decidido sacarlo del cajón de los recuerdos. Así pasar ‘Una semana en el motor de un autobús’ volverá a ser una experiencia tan intensa como lo fue hace 15 años.

 

PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Palma Violets (‘Best of friends’)

 

A Baz Luhrman le gusta la fiesta. Al menos, le gustan los elementos que rodean a un buen fiestón. Por eso convierte la primera hora y media de ‘El gran Gatsby’ en una especie de gran festival de música verano, con sus actuaciones musicales, sus desfases y sus inevitables ‘after’ o fiestas que comienzan cuando el sol ya está bien arriba.

Cualquiera que haya probado este tiempo extra de la juerga nocturna sabe que la música (el 'musicón', como se dice) es un elemento fundamental. Por eso, Luhrman ha confeccionado una estruendosa banda sonora, con la complicidad de Jay Z en el papel de productor, que incluye electrónica, hip hop, rhythm and blues de discoteca y algunos toques de nuevo soul, para ilustrar los inevitables momentos de ‘bajona’.

Ahí están Beyoncé y André 3.000 (versionando a Amy Winehouse), Lana del Rey, Florence, Emeli Sandé (con la Bryan Ferry Orchestra), Fergie o will.i.am. Pero también popes de la música alternativa como Jack White o The XX, con una de sus lánguidas propuestas, sin duda una de las más estimulantes del score.

Los que hayan visto ‘Romeo + Julieta’ o ‘Moulin Rouge’ sabrán de lo que se está hablando. Luhrman lo ha vuelto a hacer, ha ambientado de forma anacrónica una época histórica pasada con una banda sonora contemporánea. Pero lo que en sus otras películas funcionaba (por momentos, brillaba) como un interesante ejercicio de estilo, aquí tiene la misma fuerza que una botella de champagne que lleva horas abiertas. Una de las cientos que se descorchan durante la película, por cierto.

Los años del jazz (década de los 20), los momentos previos al Crack, el universo contradictorio de F. Scott Fitzerald, el amor imposible y la melancólica y turbia presencia de una personaje como Gatsby, interpretado por Leonardo DiCaprio, chocan con la visión postmoderna que tiene el director australiano.

Es de agradecer que intentara buscar las vueltas a un texto que ha sido llevado al cine en varias ocasiones, y que huyera de la sombra de la adaptación de los setenta que dirigió Jack Clayton y protagonizaron Robert Redford y Mia Farrow. Pero de ahí a convertir la película en un derroche visual a ritmo de vídeoclip o de publicidad hay un trecho. Y a Luhrman, en esta ocasión se le ha ido la mano.

Tanto acelera el director, tantos momentos de climax musical propone, que cuando llega el momento de frenar se queda literalmente sin pista. Es decir, cuando tiene que plantear conflictos morales/sentimentale​s de altura (y el texto original posee abundantes momentos) el espectáculo ha acabado por aburrir.

Eso sí, el citado Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire forman un atractivo trío protagonista, bien secundado por Joe Edgerton y Elizabeth Debicki. Esta vez no ha podido ser, y el experimento ha fracasado. Aunque la gracia está en intentarlo. Y al menos servirá para acercar la obra de Fitzgerald a aquellos espectadores más jóvenes interesados en quitar el envoltorio pop a esta historia.

PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: !!! (‘Slyd’)

 

Desde 1985, Rob Zombie lleva agitando la escena musical, con su inconfundible voz, su gusto por el metal industrial y el culto por todo lo relacionado con el cine de terror y la serie B. Primero al frente de la mítica banda White Zombie, luego en solitario y, desde 2003, también detrás de una cámara de cine.

La llegada de este polifacético personaje al mundo del cine se produjo tras cuatro años de trabajo. Sólo después de ese tiempo consiguió terminar su ópera primera: 'La casa de los 1.000 cadáveres'. Se trataba de una (sangrienta) revisión de los tópicos y resortes del género 'de psicópatas' que dejaba traslucir algunos de los referentes y mitos a los que Rob Zombie ya había rendido tributo en sus canciones.

Mucho más interesante resultó su segundo trabajo. 'Los renegados del diablo' está planteada como una continuación de su primer film, pero aquí el terror se camuflaba en forma de western moderno, con lo que el director da un paso más hacia encontrar un estilo propio.

Zombie se unió a sus 'colegones' Tarantino y Rodríguez en el proyecto 'Grindhouse', aportando uno de los falsos tráilers, el delirante 'Werewolf Women of the S.S.', con cameo incluido de Nicolas Cage. Mientras continuaba publicando discos -lleva un ritmo de un trabajo, por lo menos, al año-, Rob Zombie realizó un salto moral en su carrera como director, ya que se atrevió con el remake de 'Halloween'.

Tocar y revisar el clásico de John Carpenter era un riesgo, del que salió más o menos con dignidad. La crítica lo masacró, pero el público respondió y, sobre todo, los fans de Michael Myers respetaron su acercamiento (más psicológico que el original) a la figura de este mítico asesino del celuloide. Realizó una segunda parte en 2009, intentando aprovechar el tirón comercial, pero la película pasó desapercibida.

Desde entonces, Zombie se ha encargado de dirigir un capítulo de 'CSI Miami' y a preparar su película más personal. Se trata de 'The Lords of Salem', un cruce entre los universos de Kubrick y Ken Russell, según él mismo ha reconocido, y que protagoniza su mujer, Sheri Moon Zombie, siempre presente en los repartos de sus películas.

La actriz interpreta a una locutora de radio que recibe un misterioso disco, con una siniestra canción que tiene el poder de afectar en el comportamiento de algunas personas. Mientras, la protagonistas comienza a tener visiones y a desconfiar de todo lo que sucede a su alrededor. Zombie consigue conectar la historias actual, con los sucesos que acontecieron en Salem, siglos atrás, cuando se quemaron a varias mujeres acusadas de brujería.

Zombie filma con un estilo que recuerda al Polanski de 'La semilla del diablo', pero, sobre todo, aporta nuevos elementos al cine de terror satánico consiguiendo una atmósfera turbia e inquietante. Llega a los cines el día 17 de mayo y servirá para calmar las ansias de los fans del género, que ya esperan la puesta de largo de 'Nocturna', el nuevo festival de cine fantástico que se celebrará en Madrid del 3 al 9 de junio.

PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Savages ('Shut Up')

 

La historia de Vitra arranca en 1959, cuando el matrimonio formando por Willi y Erika Fehlbaum, fundadores de la empresa, comienzan a producir los muebles que diseña otro matrimonio: los estadounidenses Eames. Esta alianza creativa da lugar a una de las marcas más emblemáticas del mundo del diseño, la decoración y el arte pensado para el hogar. El acontecimiento tuvo lugar entre Basilea y Weil am Rhein (Suiza), zona en la que luego también se ubicaría el Vitra Campus.

En 1981, tras un incendio que acabó con la fábrica original de la compañía, Rolf Fehlbaum, el hijo ya por entonces al mando de la compañía, decidió comenzar a dar forma a lo que sería esta ciudad del diseño y la arquitectura. Lo primero, construir una nueva fábrica, donde se producían ya por entonces los proyectos de algunos de los mejores diseñadores del mundo. El encargado sería Nicholas Grimshaw.

En 1987 se comienza a construir el Vitra Design Museum, obra de Frank Gehry. El edificio del estadounidense se inaugura en 1989. Es de la misma altura y tamaño que el de Grimshaw y mantiene ese estilo tan característico de Gehry, con cubos y rampas en perfecta armonía. Al principio se proyectó para albergar la inmensa colección de mobiliario de los Fehlbaum, pero con el paso del tiempo comenzó a acoger exposiciones de diseñadores y arquitectos, hasta convertirse en un centro de referencia a nivel mundial y que ya ha recibido a millones de visitantes.

Después llegaría la estación de bomberos, una medida de precaución para evitar que lo que pasó con la factoría original, que los bomberos no llegaron a tiempo para apagar el incendio. En este caso, la encargada fue Zaha Hadid en 1993. Fue el primer proyecto que pudo construir la arquitecta de origen iraní, uno de los siete ganadores del Premio Pritzker con los que cuenta el Vitra Campus.

En los años posteriores, se sumaron a la construcción de esta pequeña ciudad Tadao Ando, autor de un pabellón para conferencias en 1993, que supuso su primera obra fuera de Japón; Álvaro Siza, que construyó en 1994 la Factory Hall, con una pasarela que protege a los trabajadores de la lluvia; Jean Prouvé, cuya gasolinera originalmente proyectada en 1953 fue trasladada al Vitra Campus en 2003; o Jasper Morrison, que se encargó de una parada de autobús en 2006.

El aspecto del Campus, que en la actualidad acepta seis visitas guiadas al día, adquiriría una nueva forma con la instalación en 2000 de una cúpula de Richard Buckminster Fuller, trasladada desde su ubicación original en Detroit (EEUU) y que ahora mismo se utiliza como pabellón para eventos. Uno de los últimos en poner su granito de arena a este sueño de la familia Fehlbaum han sido Herzog & de Meuron.

Los suizos fueron los encargados de dar forma en 2010 al VitraHaus, un edificio compuesto por bloques que se superponen en distintos niveles y que acogen sala de exposiciones, donde el público puede ver las creaciones de Vitra, salas de conferencias, una tienda y una cafetería con terraza. El prestigioso estudio japonés SANAA se ha encargado ahora de dar forma a un nuevo pabellón de producción. Más estrellas que lucirán día y noche en la capital del diseño y la arquitectura.

PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Queens of the Stone Age ('Song for the dead')

 

Los recortes en el presupuesto de RTVE propiciaron algunas dudas sobre la continuidad de 'Águila Roja', a día de hoy la serie de ficción con más audiencia de la cadena pública y emblema de su programación. Para alegría de los fans de este serial de capa y espada ambientado en el siglo XVII el lunes día 6 de mayo regresa a la programación de TVE 1.

El éxito de ´Águila Roja' comenzó desde el mismo momento de su estreno (febrero de 2009), logrando audiencias que rondaban los 6 millones de espectadores. El secreto del tirón popular está en recuperar el espíritu de los clásicos literarios de aventuras y fundirlo con elementos de corte cinematográfico, a lo que hay que sumar un casting bien elegido. En esta nueva temporada se unen a los habituales Loles León y Carlos Areces, un actor en alza y de moda gracias a su papel en 'Los amantes pasajeros', de Pedro Almódovar.

El estreno de la serie de TVE 1 coincide con la puesta de largo de 'Red Widow' en el canal temático AXN. La producción de la ABC llega a nuestro país bajo el título de 'Venganza', en lugar del 'Viuda roja' original, que sirve para identificar a la protagonista de la serie Martha Walraven (Radha Mitchell), la mujer de un mafioso de San Francisco que hereda su 'negocio' en un pequeño puerto cuando su marido muere.

Martha está familiarizada con la mafia, ya que es miembro del clan de los Petrov, uno de los más poderosos de la ciudad, y a su vez se las tendrá que ver con el manipulador Christian Schiller (al que da vida Gora Visnjic, conocido por 'Urgencias' y 'Pan Am'), que la obliga a trabajar para él para pagar una deuda de su marido fallecido.

Así que 'Red Widow', mejor que 'Venganza', es una historia de mafiosos, que podría ser una versión rusa de 'Los Soprano', salvando las distancias. Y también un melodrama familiar, ya que la protagonista tiene que cuidar de sus tres hijos a la vez que intenta sacar adelante el negocio en el puerto y asiste a un cursillo intensivo de cómo ser mafiosa gracias a los ex socios de su marido.

El peso lo lleva, como no podía ser de otra manera, Radha Mitchell. La actriz australiana se incorporó a la industria de EEUU por la vía del cine independiente, con títulos tan destacables en la década de los 90 como 'Amor y otras catástrofes' o 'High Art'. Sin embargo, su popularidad llegó gracias a 'Las crónicas de Riddick' o 'Silent Hill', de la que pronto podremos ver la segunda parte.

Esta experiencia en el género le ha venido bien para una serie con acción como 'Red Widow', en la que está bien secundada por el veterano actor croata Rade Serbedzija ('Before the Rain') en el papel de su padre, el jefe del clan de los Petrov.

A pesar de su indudable atractivo, de momento la ABC no ha renovado la serie para producir una segunda temporada (se estrenó en marzo en EEUU pero la audiencia no respondió bien), así que habrá que conformarse con los ocho capítulos que conforman la primera entrega. 'Red Widow' es una buena opción para los que no conecten con las intrigas y los duelos del estreno de 'Águila Roja'.

PARA ESCUCHAR CON ESTE POST: Heavenly ('Cool Guitar Boy')